我们在这章要解决一个问题：为什么一件作品可以称为艺术作品，而在许多方面都和它相似的另一件却不是？
我们先来看几幅图片：
看左图和右图的区别。这是平遥的街景。
没有什么人会说图一、二、三中的主题不美。平遥古城，历史文化遗产，桃花盛开，预示春天的到来。
我们面前这些照片，题材很美、聚焦、曝光、拍摄的技术都很高超，但左边的照片却并不动人。为什么？这就是我们以前讲过的三原则中的第一：一幅好照片要有一个鲜明的主题（有时也称之为题材）。或是表现一个人，或是表现一件事物，甚至可以表现该题材的一个故事情节。主题必须明确，毫不含糊，使任何观赏者一眼就能看得出来。
左边的作品只不过是对人物、地方和物体的简单的记录罢了，拍摄者的脑子缺乏生动的艺术构思。
右边的照片经过作者的提炼，就有了艺术表现力。
艺术表现力才是艺术的真正作用。因此我们可以说：艺术作品最重要的特点就是艺术家们从生活中提取基本视觉美点并以感人的方式再现它们。这就是艺术作品和普通作品的区别。
艺术和描绘自然
我们看看艺术和自然的关系，首先我们介绍一点艺术发展简史：
十四世纪以来，人们开始探索用科学来解释人类的每一个活动。艺术家们也随之对大自然作了仔细的研究，并不断地用更为符合自然和科学的内容来充实自己的作品。解剖学、透视学、光线、三度空间甚至衣服的皱褶都受到了极大的重视，这时人们理解作品和判断作品价值的简单方法：艺术就是要模仿自然，丝毫不差地再现主题就是佳作，稍有违背就难逃劣作之嫌。
这种科学地观察和描绘自然的活动，到了十九世纪末期达到了高峰，这就是印象主义绘画。印象主义画家在表现五光十色的光线方面极为成功。人们能从他们的画里判断季节，判断一天里的某个时间和当时的天气情况。
大约在同一时期，摄影术发展了，并且得到广泛应用。过去几个世纪许多艺术家苦苦追求的事情，现在这个“小黑盒”轻易地就办到了。它能捕捉所有的细节和所有的层次，甚至连自然界存在的所有不愉快的东西都能摄入无遗。这个了不起的发现，使任何一个人都能相当轻松地拍出一张照片。
知识是无止境的，艺术的追求也是无止境的，艺术家们摆脱了如实记录的重担以后，便转而探索艺术的更本质的特征。
通过探索，他们在艺术和自然的关系方面得出了一些重要的结论。
这个结论就是：自然界有它本身的美，并不在于人们是否去捕捉这些美。但表现自然美的照片却不能自动成为一幅美的作品。相反，通常看来并不美的自然景色、人和物却能拍成很美的照片。
下边这组照片是在我们济源市周边拍的。
这座山大家很熟悉吧？平日看来光突突的，但有了云霞的衬映就好多了。
对于这些照片，我们要撇开画面的感人之处，去回忆一下，当时在平常环境下看到的这些题材，确实不特别动人。然而，如果作者把他内在的想象力和娴熟的技巧结合起来，用这样的题材也能拍出美好动人的照片来。
艺术效果完全取决于艺术家是否从这个题材中发现了和感觉到了抽象的视觉美点，以及处理它们的能力；经过这番处理观众才能看到艺术家曾经看到过的东西，激发出和艺术家同样的感情。
我们再看几幅工业题材的照片（这是我在咱们济源的金马焦化拍的）。
现在，问题明确了。艺术作品的质量和自然物的面貌关系很少。题材里固有的美并不一定等于照片是动人的。不美的题材并不一定等于照片不动人，艺术品是由某种抽象的美点构成的，它们和机械地模仿自然是两回事。惟妙惟肖不能作为艺术品的出发点，也不是评价艺术品的标准。事实上，效果最好的照片，是既不违背自然形式，又力求高度简化，敢于大胆处理线条、色调、形状和质感的那些作品。艺术就是汲取这些最本质的视觉美点，使之处于突出地位，剔除那些妨害中心思想的成分，或使之处于次要地位。
这和我们前边讲的第三原则是一致的： 一幅好照片必须画面简洁，只包括那些有利于把视线引向被摄主体的内容，而排除或压缩那些可能分散注意力的内容。
我们再看几幅图。（6幅）
下边这几幅都是在咱们济源的马村梨花节上拍的。
这类视觉美点，在我们周围到处都有，占我们日常生活的比重很大，以致我们大多数人竟然对它熟视无睹。每一个题材，不论它是平淡无奇还是宏伟壮丽，它都包含着几乎无限量的视觉美点。有时它只存在片刻，稍纵即逝。有时它藏在极普通的外表下面，貌不惊人，难以辨认。事实上这隐藏着的视觉美点才是真正神奇有趣的东西。
从题材中发现这类线条、色调、形状和质感， 合理安排他们的布局，以摄影家完全满意的方式加以处理，随后制成照片，使观众对这些视觉美点也能一目了然。这就是构图的全部内容。
再回顾一下我们讲的第二原则： 一幅好照片必须能把注意力引向被摄主体，换句话说，使观赏者的目光一下子就投向被摄主体。
构图和我们的第二原则相一至的。
构图是一个思维过程，它从自然存在的混乱事物之中找出秩序；
构图是一个组织过程，它把大量散乱的构图要素组织成为一个可以理解的整体；
构图的目的是传达摄影家已经体会到的兴奋、崇敬、畏惧、惊异或同情。
构图所表现出来的气氛，有时是平静的，有时是有力的或坚定的，有时也可能是活跃的。
中国的语言有多种表达方式，同样我们对构图也可以这样说：
总结为一句话：构图就是从混乱中找出秩序，这个秩序就是摄影家澄清了他要表达的信息，把观众的注意力引向他发现的那些最重要有趣的要素。
这句话很绕口，但实质上就是我们的三原则，就好比是“三个代表”和“为人民服务”相一至的一样。
构图方法和构图语言并没有什么神秘之处，也没有什么条文可以遵守。
有些摄影家生来就是很敏感，他们能在看来无所作为的地方一下子发现奇迹。有些人需要经过一番启发才能认识潜在的视觉因素。然后也能不太费事地发现它们。单凭直觉构图，或许能产生一些值得一看的作品，但在更多的情况下，这种做法带有偶然性，不能保证把摄影家的思想传达给观众。
我们这次讲座的目的就是要提高大家视觉美点的敏感性，培养大家的辨别能力，再次声明，这次讲座用的教材蓝本是有“摄影构图圣经”之称的《摄影构图学》，美国的本、克莱门茨和大卫、罗森菲尔德合著的，我只是在其基础上结合自己的看法做了一些修改，如果最后大家觉得有收获，那就是这次讲座是成功的，如果没有预期的效果，就请大家去看原著。
接下来我们讨论照片的标题有没有必要？
这里我们认为它不是必要的。
美术家涉及的是视觉形象，音乐家涉及的是音响，作家涉及的是文字。让这种表现方式去发挥那种表现方式的作用，是一个错误。
摄影家传达的信息纯粹是视觉的。照片中表现的任何含意只能看，不能读。照片只能依靠它的视觉美点给人以深刻印象。照片的文字注释对照片和艺术价值不起任何作用。我曾经给一个地方电视台做了一段三维动画，精心的配上了我引以自豪的背景音乐，在电视台的同志们审阅的时候他们有意把音乐给关掉了，我觉得不公平，问为什么？他们说：电视最重要的是画面，画面如果不吸引人，再好的音乐也无用。这种话深深提醒了我，这些年我一直不敢忘记，画面是视觉作品的灵魂，同学们一定要记住，再好的名字都比不上吸引人的画面。不过，依照我们中国人的习惯，作品给一个恰当的名字也没有什么不好，有评委、编辑不懂摄影，对作品的名字很在意，我们有时也不得不迎合他们的口味，但是，如果你能拍出不需要名字的好作品，再给作品一个好名字，只能说是锦上添花，不会是画蛇添足。
下面这些照片只需要通过视觉就可以传达它们的信息。它们并非来自文字概念，照片已经表达了要说明的一切，无须任何文字补充说明。
这张是今年我在济源的原始森林拍摄的。在无忌上发过，起名为“无题”，有泡菜说：作品名字叫“无题”，说明作者脑子里无题。这是一种看法，作品就是让人看的，让人评论的，要接受不同意见，不要和别人争论，庄子有句话，原句我记不清了，大意是说：不要和聋子谈音乐，不要和瞎子谈色彩。自己的作品好不好心里要有主见，评论你作品的不都是大师，说的话不都是权威，要给自己打气，鼓励自己多学多拍。
这些照片再次说明：摄影家传达的信息纯粹是视觉的。照片中表现的任何含意只能看，不能读。照片只能依靠它的视觉美点给人以深刻印象。照片的文字注释对照片和艺术价值不起任何作用。
最后我们谈谈技术水平和艺术水平的区别。
为了创作具有艺术效果的作品，有趣的设想和完美的技术是缺一不可的。但不能认为一个技术很好的技师就是一个艺术家。
一个木工，技术很好，做了个柜子，使用了优质的木材，所有部件加工的都完美无缺，油漆也打磨到毫无瑕疪的程度，但是他的最后成品可能并不好看。摄影也是这样。
前边我们讲过，学习摄影的人，用了多年的时间，去掌握摄影技巧，熟悉相机性能，胶片的特性和后期制作的工艺，达到了一定水平。许多人达到这个技术水平以后就满足了，便去从事摄影活动，他们也拍出了高质量的，忠实于原物的照片，但是从全面衡量，这幅照片除了制作精美之外，也许不会吸引任何人。为什么？
技术仅是一个方面，要能够从生活中提取基本视觉美点并以感人的方式再现它们，技术就是为这种艺术再现服务的，但是艺术的表现有时甚至可以大胆运用近乎粗劣的创作手法，达到一个相当高度的水平。
许多艺术家具有富有挑战性的性格，他们喜欢反驳那些已被公认为正确的和基本的东西。他们改变了透视关系，随意处理比例关系，虚构不可能的场面，用假设的自然光源安排互相矛盾的照明，打破已有的色彩协调关系。反传统主义成为大多数艺术家(如果他们原来的风格不是反传统主义的话)所追求的倾向。
下面几幅照片都没有遵守摄影技术的主要原则，结果是获得了更有力、更可爱、更动人的效果。
模糊的处理反而衬出人们的忙碌。
传统技法要求是要绝对清晰的。
