四、线条的象征性联想作用
原始人用象征物作为一种本能的视觉语汇来表达口头语言还不能表达的感情和思想。这类象征物已经深深扎根于我们的文化传统当中，所以当代精神分析家十分重视象征性联想和暗示交流之间的关系。他们通过象征物来发现病人内心深处的愿望、需要和恐惧。
长期积累起来的经验告诉我们，特定的感情往往和某些物体或现象联系，而这些物体本身又和某种特定的形状相联系，从而，形成了一种传统观念，即把线条的位置和方向当作一种象征，它能使人们产生一定的联想。例如：
垂直线代表生命、尊严、永恒、权力以及抗拒变化的能力。
水平线趋向于表示寂静和安定、大海的平静、死亡、大地和天空。
斜线意味着行动、危险、崩溃、无法控制的感情和运动。
参差不齐的斜线使人联想起闪电、意外变故和毁灭。
圆形的和隆起的曲线象征着大海般流畅的运动，象征着优雅、色情、成长和丰产。
垂直和水平线条的结合使用表明人造的结构。

垂直线代表生命、尊严、永恒、权力以及抗拒变化的能力。
胜利女神

铁丝网象征什么 ？

水平线趋向于表示寂静和安定、平静、死亡、大地、大海和天空。


斜线意味着行动、危险、崩溃、无法控制的感情和运动。


参差不齐的斜线使人联想起闪电、意外变故和毁灭。

圆形的和隆起的曲线象征着大海般流畅的运动，象征着优雅、色情、成长和丰产。


垂直和水平线条的结合使用表明人造的结构。


尽管有些人由于对事物有较强的敏感性，有较高的文化素养和丰富的经验，因而对象征性的联想容易有所反应，但并不意味着大多数观众总会产生同样的反应。如果摄影家的摄影创作是为了某些特定的观众，这些观众能力根据形象符号的内在含义来理解作品，那么，他就可以按照这种特殊的表现手法去选择并表现他的主题。东方文化在书法、装饰设计以及图画中所用线条的哲学含意方面，有着特别深厚的传统观念。

但是，一些含有诗意和宗教意义的摄影作品，往往是通过突出和强调线条的象征性而创作出来的。千百年来的联想，使人们一看到建筑中的三角饰、圆形拱门、尖顶拱门以及十字形状，马上就会想到宗教。如果在一个普通环境中，有无数形形色色的线条和形状分散了人们的注意力，那么，它的宗教含义也会被湮没。假如把它和周围的环境分离开来，只显示它最基本的轮廓，它的宗教色彩便又变得明显了。


这张图片象征性的物体在什么地方？


看看窗户里面，就知道这不是一张普通的片片。

五、轮廓线或边线
线条还有一种表现形式，它涉及形状或形体的有连续性的外缘，这种表现形式和前面所讨论的那些相比，不那样明显。
人们对形体的感觉不只通过视觉，还通过触觉。往往，由于两个或两个以上的感觉结合在一起，产生了多重含义，从而大大影响了照片的表现力。要解决这类问题并不容易，不少优秀的摄影人员曾为此而感到棘手。
譬如，看见菠萝，哪怕还没有碰到它，也会使人想起手指触及菠萝的那种感觉。这不仅是由于菠萝质地多刺，而且是由于从大量菠萝所形成的知觉作用唤起的。
一只苹果和一只梨可能质感相同，但它们的“形体感觉”显然不同。我们的目光和手指会禁不住协同一致地去探索形体的外缘，欣赏它的轮廓的走向。
如果照明把整个形体和其它形体或背景截然分开了，我们就会强烈地意识到这个物体边缘有明显的分界线。这种分界线连贯，轮廓鲜明，十分确切，感觉它的边线就摆在那里，不但看得见，用手指顺着它去摸的话，也似乎能摸得着（左边）。形体上细节尽管也有立体感、明暗差异和阴影，但它们却无法压过这条明显的分界线。
反过来也是一样的。当照明条件突出了一个物体的立体感，同时光斑和阴影又增强了它的深度感时，我们对它周围界限的感觉就削弱了；边缘的连续感觉也消失了（右边）。我们所见到的边缘变得忽明忽暗，时隐时现了。

把这个方法应用到摄影上，我们通过控制光线使主体和背景的影调相似，便能获得许多奇特的效果。调整光线，给主体的一侧打上一道窄光，也可以获得类似的立体效果。
这一方法本身并不特别重要。然而，这道窄光所造成的有起伏的线条，却表现了主体的边缘和立体感。而正是这个线条的特性，使这幅照片具有艺术情趣。

通过控制照明，勾画出一道暗线条，效果也同样有趣。

第四章 明暗
——摄影的要素
摄影的实质就是依靠光线通过镜头对感光材料发生作用。摄影过程就是对明暗的控制过程。有了明和暗，照片中各种物体才看得见；对于画面的其他构成部分：如形状、线条、质感和立体感等，实际上都是明和暗的不同表现形式。
在放大照片时，有遮挡经验的人都知道，对照片的局部遮光和加光会给作品的清晰度和立体感带来多么大的影响！如果再把相纸的反差和显影剂的强弱考虑在内，可以说控制明暗的机会是相当多的。
从根本上说，明暗只是色的三大特征之一，其它两个是色别和色艳度。从黑白摄影构图角度来看，明暗是当作独立的构图讨论的。

照片的质量
从早期的摄影教育开始，人们就教导摄影者说，照片必须表现从明到暗（包括少量纯白纯黑在内）的整套灰色层次。每本摄影手册也都告诉读者，一定要把明暗两个部分的影调等级和层次充分细致地表现出来。毫无疑问，这正是摄影比其它视觉艺术独到的地方。这也是照片质量问题的核心所在。

一、明和暗的造型作用
没有哪一种造型手段能像摄影那样，用从纯白到纯黑的无数个灰色层次的变化，把物体的立体感那样生动地表现出来。没有哪一种造型手段能像摄影那样，在一个平面上向人们提供凸起和凹下的幻觉，从而构成一个逼真的立体形状。
下面的人像是故意颠倒过来的，为的是分析它的形状而不是去注意人物的特征。请注意眉毛下面的凹处和眼睑下面的圆形眼球。鼻子是渐渐隆起的，鼻尖达到最高点，耸立于周围的颧骨之上，然后突然下降到上嘴唇的平面上。嘴的形状紧随着下面牙齿的圆筒状。两片嘴唇形成了隆起的弧线，由中间的分界线上下分开。下巴从嘴唇下面的凹处突起，形成一个高丘，然后下降，先缓后急，直抵下颌。

没有其它造型手段能够记录象下图这样微妙的明暗变化；正是这种明暗变化表现了光线和空气构成的神秘的环境气氛，给人一种树木似乎沐浴在气流之中的感觉。

在记录物体的透明度、半透明度的反光特性的能力方面，任何其它造型手段都无法与摄影相媲美。

灰色级谱
能觉察到的灰色色调是无限多的。用摄影方法能记录下来的色调也是难以计数的。
为了对色调进行大致分类，人们设计了这个图谱，并用它作为识别和记录色调的依据。
像实际生活中其它方面一样，艺术需要多样化，就是公认的事实。艺术风格需要不断变化的最主要的理由也许是：任何一种特定式样要是用得过久，就会引起厌烦。不断观赏一个形象会使人的精神疲倦，这时候会要求调换不同的形式来进行调剂。
在使用色调方面也需要多样化。当许多照片在一个展览会上展出或一种出版物中出现的时候，色调的多样化特别重要。
如果大部分照片是以灰色级谱上的中间色调为主，很少有极浅灰、白、深暗灰和黑，这种色调的雷同将会使人觉得沉闷乏味。在一张照片或一组照片里，怎样运用级谱里的数值，是影响作品气氛的因素之一。在艺术中和在生活中一样，气氛的改变不仅是可能的，而且是竭力追求的。

二、高调和低调
一张照片，如果它主要包括了灰色级谱的上半部分（白、极浅灰、浅灰、深浅灰和中灰），一般说它表现的是轻松愉快的气氛，这样的照片被称为高调照片。
但要注意这样一种危险：没有包括灰色级谱上所有等级（那怕是一点痕迹）的高调照片，看起来会像曝光不足或显影不足一样。当然，如果从纯白到中灰的所有等级都能充分表现出来的话，暗调部分可以省掉。也就是说，如果从极浅灰到中灰之间最少能分辨出十个灰色等级时，这样的高调照片从色调上说是可以接受的。
高调桃花

同样，一张照片如果主要包括灰色级谱的下半部分（中灰、浅暗灰、暗灰、深暗灰、和黑色），它表现的是阴沉忧郁的气氛，这样的照片被称为低调照片，正像高调照片有时候需要有较暗的色调一样，低调照片也常常要有一些较亮色调，以便使人相信这张照片是有意这样处理的而不是失手弄黑的，假如包含了较亮色调后对所要表现的气氛有所干扰的话，也可不要较亮色调，但必须具有极丰富而明显的暗调层次。


三、对自然界明暗的联想作用
我们总是不可避免地要把照片上的色调和实物、经验以及情绪联系起来。我们说到雪、牛奶、亚麻布床单会联想到白色，说到岩石会联想到灰色，说到夜晚、寂静、空间、煤炭会联想到黑色。愉快的情绪是和明亮的调子相联系的。压抑忧郁的情绪是和接近黑色的调子相联系的。荒凉是和灰色相联系的。明与暗经常被用来和正面事物与反面事物、善与恶相联系。在人类历史的早期，上帝被认为就是光明。因而，亮调就代表无形之物、非物质精灵，经常用大片空间和天空来表示。相反，黑暗只和忧伤的情绪相联系，用来表示抑郁和悲伤。
虽然这种联想在大多数情况下是正确的，但不是在所有情况下都是适用的。有时候会出现这样的情况：一个物体经过影调处理后才能符合常规的联想。这时候摄影家就得控制光线、加用滤镜、调整曝光或通过印放处理来达到自己的目的。在另外一些情况下，为了构图或表现上的需要，牺牲或打破这种常规的联想关系更为有利；浅色的物体可以处理成暗调的，深色的物可以处理成浅调的。
如果我们认真考虑一下这种联想作用，我们会发现，它既不是一成不变的，甚至也是没有道理可讲的。难道黑暗不是冒险精神、宗教迷信和神秘主义的环境气氛吗？不是也有很多诗情画意的作品是用暗调来表现的吗？甚至爱情和沉思这些带神秘感的生活片断，也是和黑暗或近乎黑暗的环境相联系，而不是用中午的耀眼阳光来衬托的。强烈的阳光使一切暴露无遗，没有一点含蓄回味的余地。阴暗的教堂比起明亮的教堂来，是宗教忏悔的更合适的环境。
艺术家在表现他的主题的时候，必须能够不受约束地选择它的调子。艺术上的墨守成规是创造力的障碍。拘泥于简单地反映，屈从于公众的低级趣味，只能产生乏味的，没有特色的作品。
夸张是艺术的有机组成部分。了你想要在摄影艺术中，夸张的机会主要存在于明暗控制之中。如果把晴天雪地上黑色影子强调出来会有利于你的美学设想，那就让它变黑，必要的话还可以在放大时加光。如果在表现采矿的照片上，煤的颜色干扰强调的东西，你设法让它亮一些是合理的。
几乎可以说，不加夸张地处理色调只能落入俗套，而打破常规的处理却会因为它的新颖大胆而博得赞赏。
艺术家应该具有独特的观察力，能够越过常规和成见去观察事物，创造出扣人心弦的作品来。

色友们拍荷花的片子已见不少，但以写实者居多。而该片大胆地采用虚化的手法，在突出主题的同时，把意境引入了一个梦幻般的世界。妙就妙在恰到好处地烘托和美化了主题，这是作者的成功之处。画面飘渺神逸，使人如入佳境，有些超现实主义的唯美感。荷花虚实结合，表现细腻，荷花美妙绝伦，色调温艳，韵味独特，不失为一张好片！



四、明和暗在美学上的运用——气氛
在明暗的运用方面，除了构成画面和产生立体效果之外，还有很强大的艺术表现力，它是一个有效而独立的构图要素，是表现和烘托气氛的最有力手段。

亮调能够表现温暧，也能表现寒气、遥远、空虚、清晰明快和暴露无遗。暗调可以表现宁静，也可以表现寂寞；可以表现停滞，可以表现危险。从许多方面来看，光线和音乐有相似之处。它能够变换轻重和强弱。自然光有着很大的调节可能和适应性。人工光能产生极为丰富的层次变化，效果如何，取决于灯具和应用方式。
为了造成特定主体的适当气氛，并像你所希望的那样表达感情，往往不必拘泥于实际情况，而把明和暗看成独立的实体。处理方法是多种多样的，这要根据每个人的经历、经验、风格和判断能力来决定。

当一个物体被充分照明，它的每个部分由于明暗分明而能清楚地辨别出来时，这时所强调的是被摄体而不是整个画面。我们不禁会注意到它的突出轮廓。它是那样地明显，以至于我们不去留心照片的整个构图。这种情况，在完全正面照明时，或者当一个明亮的图形衬着暗调背景时，是经常遇到的。逆光照明下，黑色剪影衬在明亮的背景上也是如此。突出轮廓，能给人以明晰精确的印象。

相反地，如果光与影的配置没有把每个具体形状分别强调出来，这时整个画面的整体感就加强了。在一个统一的画面中，一个形状的光与影和另外一个形状的光与影混淆了起来。用亮调的、中间调子的和暗调的色块组成画面，并不要求每个形状的界限分明，这时线条和立体感的作用就会减弱，整个画面显得模糊不清。但整体感加强了。观众不再注意每个局部，而是把照片当作一个整体来看了。每个被摄体的形状和由明暗色块组成的整个照片不大区分得开了。

五、明暗配置
成功的作品必须具备几个条件：一个是主题的表达和包含的内容，一个是构图，还有一个是印放质量。当然还有其它许多方面。伟大的作品，是那些把画面中每件事物以及它们相互的关系结合得极为高明的作品。
从前面一系列照片中，我们学到的最重要的一条经验是：明和暗不止是使被摄物具有立体感或美化被摄物。明暗配置对整个照片的结构有着巨大的影响。

一般说来，对被摄体的处理越发细致具体，例如清晰地照明和逼真地反映，作品的艺术效果就可能越发浅薄单调。有时候美化被摄体是摄影的重要作用。正因为摄影在这方面的作用要比其它造型手段有效得多，所以它才受到重视。
作品的艺术性关系到整个画面空间，绝不是主要物体得到满意的表现就算了事。正像画面中多余的物体能降低主体的感染力一样，明暗配置不当也能削弱构图效果。因此、摄影家不能只限于判断画面上主要部分的明暗，他必须对照片每个部分的明和暗给以同等重视，才能判断哪些有利于整体效果，哪些不利于整体效果。
因为构图要素和构图原理都很抽象，所以需要从完全抽象的角度去考察它的性质和作用。如果把具体可辨的物体从画面上排除掉的话，这种概念才能表现得更清楚，理解得更明确。下面我们尝试研究一下。

在下列各图中，线条结构是相同的。它们之间最大的区别是明暗配置不同。
第一种明暗配置是把中间那块大图形涂得比周围色调更暗而加以突出。大图形边界之内的色调变了。虽然画面的一角也有块相同的色调，但它并未接触大图形的边缘。把深色调集中在一个大范围之内，就能把观众的视线紧紧抓住，因为比起其它部分来，它有更大的吸引力。注意力被集中在深色图案部分，它压倒了周围的浅调区域。

对同一图形，也可用颠倒黑白的办法，就是让中间图形亮，周围环境暗的办法，使它仍然占据优势。
用这种加强对比的手法，我们能把观众注意力引向画面的任何一部分。

明暗配置并不要求以基本图形为依据，它是可以随意安排的。有些图形的色调可以局部改变，有些图形的色调可以全部改变。把基本图形交错形成的那些小图形搭配起来，我们就能创造出新的图形。

从构图上说，可以让画面的一半是亮调，一半是暗调。
也可让画面从亮到暗逐渐变化。

让明暗各点适当地分布在画面上，就能在画面不同部位形成对比强烈、明暗交错的生动影调。

有人可能认为，只有在手绘图画中才能不受约束地配置明暗。完全不是这样！虽然摄影家要控制照片中每个明暗变化并非易事，但实际余地要比人们想象的多。
想要取得上列照片所表现的那些变化，只要把自然光线稍加改变，就可以达到目的。此外，还可以自由选择拍摄位置以增加变化的机会。

在静物摄影构图中，为了改变色调，可以调换被摄物品。调整光线不仅能够改变色调，还可以利用阴影来构成各种图案。选择适当的背景，又为摄影家提供了一个构图的机会，这里除了利用大量素色材料和有图案的材料以外，还可能利用周围环境。

在肖像和人体摄影构图中，作为构图要素的色调，能够通过衣着、照明、背景以及画面点缀物来进行调整。一张成功的作品，往往需要事前周密地安排。

最后，在印放过程中，我们经常还要进行机动灵活的加工处理。
明暗配置在表现感情方面是很有影响的一个手段。平静还是活跃，强烈还是温柔，整齐还是不规则……所有这些，甚至不止这些，都可以通过有效的明暗配置来达到。这方面的潜力是无限的；如果说有限的话，那是因为摄影者本身的洞察力有限。

第五章 质感
大凡存在的东西都有各自的质地：光滑的、粗糙的、干枯的、毛状的,数不胜数。
质地的概念是和触觉有关的，它和视觉、味觉、嗅觉、听觉相辅相成。一块抛光了的杂色大理石，看起来不平，但摸起来很滑；一匹驯养的马，看起来皮毛光滑，但摸起来又粗又硬；石膏和木头常常可以漆得很象大理石。仿造的技巧可以高明得以假乱真，可是，用手一模，马上真相毕露。依靠视觉、味觉、嗅觉、听觉，我们可以更清楚了解一个物体的质地。生活中我们有许多经验，闭上眼睛，在既没有味道也没有声音的情况下，我们甚至也能摸得出缎子、羊毛、砂纸、玻璃、金属、混凝土和纸张。
面对娇嫩的皮肤、闪光的缎子、高级的皮毛或成把的鹅卵石，很少人能自我克制，总想去抚摸，把玩。躺在草上只欣赏泥土的芳香和宁静的色调是不够的，我们还要情不自禁地去抚弄叶片并试验它们的耐力。那些情趣粗犷的人喜欢穿斜纹粗布、粗花呢和灯心绒的衣服，因为它们粗糙的手感和不规则外观体现了一种独特的心理状态。

质地影响我们的情感。有些人看见青蛙、蛇或者腐烂的水果会产生一种无法控制的厌恶感受，而抚弄新鲜的玫瑰花瓣能使人镇静和宽慰。

一切感觉相互之间都有密切联系。看到酸黄瓜那湿漉漉、滑溜溜的外表，会刺激味蕾而使人垂涎三尺；看见切开的洋葱就想起它那辛辣催泪的味道。用不着举起一块石头去估量它的重量，一眼就能“看出”它是个憨然重物。只消看到海滩的细砂就会联想到漂浮在手指和脚趾之间的晶粒。看到锋利多齿的石头就足以使脚底的肌肉收缩，这是因为想起了赤祼的双脚曾被这种刺人的石头边缘触痛过。看到贝壳会唤起人们对它的外形和质地的感觉。人体的大部分感受都是通过各别的感觉在体内的传递和交融而形成的。
物体表面的差异尽管纯粹是视觉上的，而且人体也没有机会去接触这个表面，但是这种表面质地的外观本身就足以给人脑传送一个刺激，从而使人得到一种触觉反应。触感的产生并不取决于手指是否接触物体。虽然我们并没有实际接触物体表面，但对于它的特质仍会产生一种幻觉。

物体表面的差异尽管纯粹是视觉上的，而且人体也没有机会去接触这个表面，但是这种表面质地的外观本身就足以给人脑传送一个刺激，从而使人得到一种触觉反应。触感的产生并不取决于手指是否接触物体。虽然我们并没有实际接触物体表面，但对于它的特质仍会产生一种幻觉。

一、视觉质感
在视觉可辨范围内的任何明暗变化都能产生出一种视觉质感。
强光、层次、反射光和阴影——所有这一切都是和质感有关的因素。即使一张照片上只是万里晴空或一汪平湖，也都会有表面软硬感觉的性质。
光线因光源不同或它所通过的环境性质不同而有所差异，特别敏感的人善于区别不同光线所形成的质地特性。水也能产生一种视觉质感，它的质感区域相当宽广。

印好的报纸除了具有作为新闻纸本身的特点以外，也可以体现不同的质感。字号、字型、铅条、油墨的浓度、栏目的宽度以及段落的长度等，对于光线的吸引和反射都有显著的影响。同一份报纸的每一单页，由于复制、插图和间隔的密度和性质不同而带来各具特色的质感。 (没找到报纸的图片)

用同一种工具在质感不同的表面上，或者用不同的工具在质感相同的表面上画出一条简单的线条，让它们的长度和方向完全一致，结果却显著不同。
仅仅确定影调的明暗值是不够的，质感是构成这个数值的组成部分，它和影调本身同等重要。下面各图的形状，大小和影调完全一样，只是质地不同，所以无论在视觉判断上，还是在触觉反应上，它们所形成的形象就显然不同。

由于质地对视觉形象和感情状态的影响十分强烈，所以摄影家和其它从事视觉艺术的艺术家一样，对于它的效果不能漠然处之。他们对于触觉之间的心理关系必须特别敏感。对于各种材料的感觉及其本质必须有深刻的了解，才能有效地表现它的美的素质。

对于那些含有视觉概念和视觉联想作用的要素，艺术家们的确有着高于常人的认识能力，但决不能只凭天赋。要不断地努力提高敏感性，增长才干，观察生活，才能创作出意味深长的，激发感情的作品。
不需要通过题材的其它作用，质地本身就能产生一种揭示内在诗意的暗示力。摄影家只要能表现出对有形物体的丰富的感受，也就能再现它们的赏心悦目的激情和美感。


二、工具和质地
下面是一系列的练习，可以增长你对质地的认识能力和欣赏能力。
用钢笔或铅笔画几个正方形，每边之长大约一英寸。在头两个正方形中画满圆圈，使其大小和密度大致相同，但不要排列成行。然后在第二个正方形的圆圈之间画上小点。观察它的质感有什么不同之外。
在这个阶段研究质地，不要和自然存在的任何物体联系起来。我们目的只是培养一种敏感，去体验各种质地的有趣变化。

哪怕一点点变化都会产生不同的效果。现在我们不要随意乱画，要使圆圈横竖成行。
使圆圈交错成行，质地的变化又自不同。
再用椭圆代替圆，在一个正方形中随意画满椭圆，而在另一个正方形中则排列整齐。

下面试验用各种不同的形状及其组合，构成各种各样的质地。
用线条：
用小点：
随意勾画：

使用不同的工具，蘸上墨水进行试验，看看结果如何。
用刷子：
用枝条：
用小链条：
或用羽毛：
你所创造的任何质地，无论看来多么稀奇古怪，都不要轻视。说不定在什么时候你会在自界里发现和它一模一样的东西。

三、自然界的质地
有了创造性意识，就能在平凡的地方发现重要的东西。一个人必须十分留意周围环境中确实存在着的无穷无尽的质地。在你实际拍摄普通的质地之前，如果先做一些简单的练习，以便观察、识别和实际接触各种质地。这种做法是非常值得和大有裨益的。此后，你才有可能拍出大量的、生动的反映质感的作品来。
首先观察你自己房间里各种东西的质地，细看木制家具，观察这种木头和那种木头在纹理结构上有什么不同。在有些胡桃木红木和桦木家具上，极为精细的一层罩光漆能使外表呈半透明状，而且一直深入到木头的深处。展现出一幅幅犹如在表层下浮动的木纹图案。
在你所研究的其它材料中，有各种各样的质地：崎岖不平的、粒状的、平滑的、粉状的、砂砾般的、片状的、布满灰尘的、砾石铺筑的、易碎的、绒毛状的或是毛发状的。它们都有哪些特性呢？通过实际触摸，体会一下下列物体之间的区别：布料与皮革、木头与纸张、黄铜和黑铁、涂漆的表面和抛光的表面。再用视觉帮助验证一下你的触觉，不需要做什么笔头记录，头脑中的印象是最重要的。

然后，集中精力去体会某一类东西的特殊质地，以纸张为例。在你家里收集到多少种质地不同的纸张？开始试验新闻纸、笔记本纸、证券纸、带封面的杂志纸、蜡纸、冷藏纸、礼品包装纸、货币纸，相纸、吸墨水纸、索引卡片纸、作文纸、照片衬纸、书皮纸、糖果包装纸、包裹标签纸、糊墙纸和图画纸等。用手指抚模它们的表面，比较它们的特征。用一个二十五瓦的反光灯照明，观察这些特征和投光方向的关系。观察每一种纸的视觉特征，是半透明还是不透明，粗糙或光滑，其独有的特征是什么。对每一种纸用什么角度照明才能体现你的感受，才能最好地表现纸的性质。
把各种纸揉皱，观察每种纸的褶痕和褶皱的凹处，其结果也是质地的一种表现形式。

选出各种布料——女服、外套、套服、运动衫、衬衫，短外套，帷幕、桌面、毛巾、围巾和窗帘，对它们的质地进行比较。把它们挂起来或折皱，用一两盏灯闪照，研究不同表面的质地，皱褶的特性以及反光能力。

像大多数培养敏感性的练习一样，对质地的这些探究似乎显得愚蠢和过分简单。但是，一旦你这样做了，你就会发现自己迷上了各种质地具有的魅力，并随着理解力和鉴赏力的增长，你那好奇心和调查研究的愿望也将进一步增长，质感的重要意义将越来越清楚地展现在你的面前，你也就会在那些通常易被忽视的方面去进行探索和钻研。
虽然，单独一项质地，没有其它有关因素的衬托，往往也能具备足够的力量创作出一幅有趣的照片，但更经常的情况是形状、线条、明暗等多种品质增加了美的情趣，这种情趣又有力地强化了主体的质地。
选几块织物，要使它们的质地在镶配之后显得很美观，把它们摆在一起，注意突出它们的表面质地。布光照明时，要强调触感的不同。然后拍几张照片。研究印出来的照片，确定你的成功之处，以及为达到预期目的还需要改进的地方。如果你偶然获得意外的成功，就要设法确定如何才能有意识地获得同样的成果。

现在，你已经训练有素，可以到外面去探索那遍地都是的各种质地了，各种质地充满了我们的日常生活，如果人们不是有意地努力发掘它们，它们就会隐没在一片模糊之中以致视而不见。

试比较建筑物的墙壁和屋顶构件的质地，如砖、石、灰墁、木头、瓦片，盖屋板、混凝土、建筑用玻璃、金属，以及石板等。
请观察在同一个建筑上的那些吸光的质地和反光的质地的相互作用。

人工修筑的马路、人行道和天花板富有各种有趣的表面，从最粗糙到不大粗糙，从不规则到非常规则。例如：踏成的路、石板、卵石、有各种骨料的混凝土、陶瓷排水管、水磨石、碎石路面、沥青路面、地板和地毯。

现在，你来观察迷人的自然地面——砂、卵石、树叶、石子、草、苔藓、泥土、干湿土壤、雪——这一切混合在一起，形成无数的质地。

有些不习惯于细致观察的人会认为这些树皮不过都是一般的粗糙表层，相互之间没有什么区别。而有辨别能力的人则能识别它们那些具有美学和植物学情趣的差异。

同种树叶正面和背面的质地不同，不同树种的树叶不仅形状不同，质地也各异。如果我们走到相当远的地方去观察一簇树叶，还能看出群体物质之间一种新的质地关系，这又和单个叶片的质地大不一样。
从远处看可以看到树的全貌，而个别的叶片，甚至一簇簇树叶的质地就不是趣味中心了。一簇簇树叶的群体现在是和形状、线条、立体感和明暗等方面密切交织在一起而呈现出另一种质地，这种质地和同一树种的其它树木的质地是相类似的。再对比另一种树种，则两种树的质地之间存在着鲜明的对比。叶片的大小、叶丛的疏密、花朵、果实、错落相间的方式、以及光的折射率等，都对质地的感受有着影响。
无叶之树也具有一种质感。请注意观察这种树的枝条构成的网状结构。

你继续研究下去，密切注视风化对下列物体的影响；老树桩、落地枯枝、中空树木、树上和石头上的苔藓、地衣和真菌。风化作用使人造物体受到损失，但实际上，它却给各种质地再添新状，这时摄影是一大乐事。注意观察生锈的金属、剥落的油漆、变质的木板、腐朽的建筑、坍塌的船坞、倾倒的篱笆、遗弃的小船及撕破的广告画等。

生锈的金属

老树新枝的质地。

遗弃的小船

我们还要经常注意这一点：我们看到的各种质地并不都是亲身接触过的，因为有些是大型的群体，我们无法去触摸它们。这包括大股的人群、遍地的鲜花、成堆的家具、大片屋宇、整群绵羊、墙上和广场上的大型雕刻、山坡上的茂密树林、水面上的闪光和阴影以及云层等。
自然存在的或人工制造的任何一种群体物质都是质感题材的最佳源泉。


除了偶然的情况，每幅照片都回荡着摄影家的思想和感情。如果你在观察中对自己的观察对象产生数种感受，你的照片一定能反映出多种激情，这会使你的照片更有观赏价值。因为质地常常是和触摸、声音和味道密切相关的，所以你把各种感觉综合得越多，你的创作想象力就越富于个人风格，你所反映的意图就越接近客观事物的真实性质。不要只满足于客地再现主题，而要想方设法用夸张手法去反映你所认为最有意义的质地或其它方面的特征。


如果你注意观察生活的话，就会发现同样东西在不同的时候有不同的质感。

第六章 立体感
一、 物体分析：
形状是平面的，没有可见的厚度或深度。而立体物最明确的特点就是它有厚度。在纸上画一个圆形，不管纸的质地如何，也不论表面如何装饰，终究只是一个形状。
要在平面上表现立体感，就需要研究一下物体的明暗层次：
一个球体的轮廓，无论从哪个角度观察都是一个圆形。在一定的光线条件下，球体的特点消失，结果看起来形成了一个平面圆形，像纸做的圆形一样。在另外的光线条件下，有了明暗过渡，球体的特点便突出了。请看图，注意强光是如何射在每个球体左上部的边缘附近的。左半球虽然都是亮调，但光的影调向各个方向逐渐暗淡下去，直到边缘；在右半球上，影调继续变暗，到右侧下部变得最暗。这是暗部的最低端，它集中在右侧附近。周围物体上的反射光射到阴暗区域，又照亮了右侧边缘。这说明：明暗层次是表现立体感的一种方法。
我们再来研究立方体或柱状体，在直接的正面光或背面光的照射下，柱状体给人印象只是一个平面的形状。如果通过照明区分影调，清楚地展现出三个方向的阴暗面，就能清楚地看出这是一个立体物了。 球体的层次是连续性的，而立方体或棱柱体的层次则是非连续性的。圆柱体是一种立体物，它既有连续性的特点，也有非连续的特点。当看到具有不同影调层次的球体、立方体和圆柱体照片时，我们的眼睛会向脑子传送一种形体的感觉，就种感觉和我们触摸这些实物时的感觉是相似的。可以看出：影子有助于明确显示一个物体是实在的和丰满的。

在生活中还有许多不同的形体可以得出一个同样的轮廓图形，这说明仅靠形状的表现力是不充分的。对于一个摄影家来说，并不一定是个缺陷，摄影家倒可以因此获得更灵活的表现手法和更丰富的表现机会。把外形类似的形状和实际的立体物并放在一起，加以照明。所得结果将是很有趣的。

控制物体的立体感常用的手法除了光线外，还可以通过镜头。我们知道：用长焦距镜头拍摄的照片，其深度感显著减少，以至于立体物看起来接近平面形状。相反，短焦距镜头增加了景深，有时会增加到线性失真的程度，物体的立体感就会增强。

二、立体性质的表现
为了加强对立体感的理解和鉴赏能力，不妨在你的附近选出各样的物体并努力表现它们丰满的立体感。花瓶、盒子、灯座、装饰品、瓶子、罐子、废纸篓、小收音机、玩具、儿童积木等等都是很好的观察对象。尽量寻找不同轮廓和不同形体的物体以便于研究。
开始时，只研究单个物体，看看以什么视角进行观察才能最好地表现它的立体感。如果它的造型是不规则的，则可加以转动，找出一个你自己认为最满意的角度，以便充分表现它的总体。然后加以照明。但照明不是为了突出边缘的轮廓，而是要突出形体。光线要集中在边缘之间的隆起和凹陷处。一般说来，全部设备只用一个光源加上一个白纸反光板就足够了。
待布光满意之后，通过相机的毛玻璃或取景器仔细研究照明对象，作一些调整，以便增强立体感。凡能使你受到感动的研究结果总是值得拍成照片的。这不一定是为了展出，而是为了验证你对立体物的感受，并确定一套记录这种感受的拍摄方法。

摄影家要想去表现一个立体物固有的视觉美感，就必须首先学会欣赏它，如果可能的话，首先通过触摸，然后再通过视觉观察。尽管现代抽象雕塑品是很好的启蒙手段，但它们毕竟是难以得到的；我们可以利用鹅卵石和小石子，利用它们的变化无穷的形状，培养我们的敏感性。物色一些带有孔眼的从不同角度观察时具有不同外形的卵石。有些石头上有深深的锯齿和耐人寻味的隆起、凹陷、蜂窝或小丘，有些则是带圆形的平扁石。我们会情不自禁地转移兴趣，而去欣赏它们的色调，质地和反光特性、所以要克制自己的闲情逸致而集中研究它们的外形。
在对它们的外形有了一定的感受之后，选出一块拳头大小的石头，通过触摸和视觉观察再研究它的形体。这样做会培养出你对石头的感觉，并在头脑中确定你喜欢拍摄的那些特定形状。
现在，把石头放在一个简单的背景上，加以照明，作进一步研究。不断地变换背景的色调，使之满意：既不要反差太强以致夸张了石头的轮廓，也不要反差过分相近，以致石头和背景难以区分。
先用一个光源,用反光板来调节影子。以后，如果必要，就再加上一个光源，目的是用明、暗手法来表现你感觉中的形体。一旦找到了满意的布光，足以表现出你的触觉感受时，便可通过你的相机取景器仔细地加以验证。等你完全满意时，就拍成照片。
在转动石头和试验布光的过程中，你可能会发现，有些新的外形十分动人，可以和你最初欣赏的外形媲美，甚至更胜一筹。这时，一定要进一步研究你的新发现。这才是创作的实质。从确定课题，到培养敏感性和对普通的物体有深刻的认识，需要花费一定的时间。但是一旦闯过了这一关，你会得出不是一种，而是多种有价值的构图方案——你并没有虚度时光。

在现代雕雕塑中，你会发现一些具有强烈的视觉效果的造型、凹陷和切痕同样，在摄影方面仅强调物体形态及其质地变化的照片也可以成为优秀作品。

“宪法顶个球”——位于西安某处


现在可以到野外或公园里，在树干、树枝和裸露的树根中去探寻有趣的立体感。你凑近树木，就会发现那些远看像圆筒似的树干却原来千姿百态，形状各异。有些形态是因为枝杈和树干自身的盘根错节而形成的。另一些形态之间的差异则更为明显，是天气、昆虫、兽类以及病虫留下的创伤。
遗憾的是，许多摄影家的习惯是只注意拍摄题材，而忽略了在题材和表现手法这两方面，视觉感受才是最本质的东西。他们把自己对树木的观察局限在一般特点的识别上，通过树干、枝杈和树叶的特点，看它们是哪一种树种：是柳树、橡树、榆树、苹果树、松树还是枫树，很多人对于每棵树本身的特色无动于衷。

一棵树可以做为题材用来研究如何表现感情、精神、理性和设计构思。这棵树能够提供多种多样的形状、线条、立体感和质感，以及色调层次，要想充分与众表现这些方面，恐怕要花费大半生的岁月呢。
这个道理不仅仅适用于一棵树木。几乎任何一个自然物体或人造物体都具有许多可以发掘的特质，可用以拍成优秀的摄影作品。在这里，你能赋予拍摄主题的东西要比这个主题展现给你的东西重要得多。你对于形状、线条、立体感和质感的感受越是敏锐，你就越加不必去专门搜寻有趣的拍摄题材，因为有趣的题材在你的周围比比皆是。

三、用轮廓表现立体感
表现立体形态的一个方法是造成阴影。如果是不规则的形状，像大块岩石那样断断续续的，把轮廓线以及阴影结合运用，比各自单独使用时，能表现出更强烈的立体感。

被水冲到岸边的木头也是研究立体感的又一种好材料。水流的冲蚀使它更为复杂，凹陷、裂纹和孔洞也更加突出和显著。往往，由于水流冲掉了无关紧要的小枝杈后，会给木头留下一些奇特的轮廓；而这些轮廓又给复杂的立体形态增添了奇妙的线条形式。我们说这种立体的形态带有复杂性，是因为这些形态必须通过明暗处理和利用木头的轮廓线这两主面才能表现出来。这些线条是在长期浸泡后又经干缩的过程中形成的。

四、立体物的相互关系
研究单个物体的立体感会体验到它内在的魅力。当我们开始探索立体物之间的关系时，就更入迷了。
收集七、八只盒子，它们的大小、比例和几何图形应该各不相同。为了避免因色调和质地不同而给研究工作造成麻烦，可用同样的或相似的纸张把盒子包起来。甚至可以自己动手用卡片纸板做一些盒子。这些盒子在各种摄影实验中都会用得到。把木块用纸包起来同样可以做成盒子形状。
现在把这些盒子好好布置一下，主要目的是要获得满意的立体物的相互关系。先用两三只盒子布置，必要时增加或更换一些盒子。让大的盒子衬小的，高的衬托矮的，横的衬托竖的，长方形的衬托圆筒形的。注意观察使用几只同样大小的盒子会产生什么样的效果。
把两个盒子摞起来，使其轴线方向各不相同。有些盒子可以斜放，从而进一步造成方向的变化和空间的伸展。
要把盒子组合得很巧妙，使观众总想围绕着它的四周去观看，而不要只拿正面来吸引人。但无论如何不要弄得太复杂。
这种娱乐方式可增强摄影者的感受能力、创造发明能力和探索精神。有些最动人的照片往往正是得自这种简单的方法和试验活动。
当你对自己的布置感到满意时，便可开始布光，以便表现纵深。试着把一个物体的影子投到另一个物体上去。看看长方形的影子落在圆形纸盒上时，是如何加强了筒状物的圆形感的。每当你组成一个特别动人的画面结构时，就要通过取景器研究其组合情况，再加以调整并拍摄下来。
再找一些具有几何图形的物体，如水皮球、漏斗、角锥体和碗一类东西，把它们和前面使用的物体组合起来。突出各立体物之间的相互区别。在照明下，把一个立体物的影子投向另一个不同形状的立体物，继续试验投影的效果，看看影子的形状是如何影响形状的表现力的。然后，变换大小、位置和方向，使构图，特别在立体物的相互关系上，达到满意为止。
曝光、洗印，并研究洗印后的结果。从这些试验中你很可能会学到很多东西，并愿意继续试验。如果是这样的话，请你务必继续下去。

下一步，可以把一些静物，如装饰用盒子、花瓶、花盆、水果、蛋类、壶和平底锅之类组进构图中。土豆、黄瓜、西葫芦、葫芦、南瓜、鲜胡椒和甜瓜都是研究立体感的好材料。只要你的目标是集中研究这些物体之间立体感的相互作用，而不是从室内装饰或烹饪的角度来布置它们，那么你对这些物体的布置和拍出的照片就会有更大的兴趣。把上述的实用物品变换一下，着手拍摄一般的题材，像食品、乐谱、艺术品、文具、时装、书籍或金属器械。根据主题的需要把有关用具布置在一起，可以创作各种构图来。

五、户外题材的立体感
现在，只要迈出一小步，便可以从研究静物构图发展到研究人造物的组合了。我们对周围环境中的人造物是如此的熟悉，以至很少去注意它们。首先，物色一些几何形状的物体。在城市里能找到这种材料的理想处所是房顶上面。那里，有和通道、排烟、储水、空调等有关的各种几何结构。楼群、建筑物的某一部分、胸墙、阳台和塔楼都可作为这些形状的背景。

工厂和工业建筑群常常由稀奇古怪的几何形状的结构组成；煤气储存厂、充气圆屋顶、农场建筑（特别是有锥形顶棚的圆柱形地窖）、铁路设施和建筑以及各种塔台都是研究立体构图的极好题材。水滨的商业区和游乐区也是很好的研究对象。
在你通过照明试验立体物的构图时，可能已经注意到，要表现立体感，最有效的照明是有一定角度的光源。这个道理也可以应用于户外的构图研究中。如果你的目的是专门为了表现立体感，那么，你的拍摄时机就要选在上午或下午较为适中的一段时间里。这时阳光是斜射的。
我们所见到的或接触到的一切物体都是立体的。最细的金属丝，最薄的纸张都有可感的厚度和体积。可供研究立体感的物体是无穷无尽的，无法一一列举。

六、自然界的立体感
摄影家对云彩有特殊的兴趣，因为它们的形状千变万化，并能激发人们的情感。云彩有时象各种线条，有时呈色调均匀的大团。有时变成明暗不同、质感各异的细缕，有时又是大片的平面形状。积云和积雨则形同怒涛。云彩时聚时散，变化无穷，为摄影家提供了取之不尽的创作源泉。

地貌也可以被看作是各种形状、线条、色调、质感和立体感的组合。在圆石、砂丘、风化岩石、溪谷、山峡和冰蚀山谷这些静物之中也可以找到动人的立体感。除了供科学研究用的一般地文学照片以外，人们能够从地貎中发现独特的立体组合而创作出杰出的摄影作品。

在斜射光线的作用下，乔木和灌木都可以呈现出立体的形态。对立体感有深刻认识的艺术家知道怎样把它们用于摄影构图。

七、深度空间和浅度空间
讨论空间象讨论立体物一样，绝不能忽略深度空间的问题。这个问题有时称作线性透视和空气透视。
线性透视感最明显的是平行线的会聚，象公路和铁路伸向远方那样。它还表现在视觉对物体逐渐变小，即越远越小的感觉上。
空气透视是指远处物体细节模糊不清的一种现象。观察者和物体之间的距离越大，该物体的光线需要穿透的空气层就越厚。远处的物体看来好象是沉浸在一片濛濛雾气之中。

摄影家有机会创作出使远近立体物有戏剧对比的照片。可惜这个拍摄方法用得太多而流于公式。结果，很多追求较为流行的风格的摄影家，常常对这种表现空间的方法避而不用。然而，这种题材并没有失去效用。任何一个独树一帜的人，只要他的见解能够概括地体现近处立体物和深度空间的相互作用，他就会取得出色的成就。
在现代艺术中，摄影和绘画，雕塑和印刷艺术相互渗透，十分倾向于表现浅度空间。

八、含蓄的立体感
以上，我们研究的立体物都是有形的。现在不妨考虑一下螺旋浆或风扇叶子的运动。在静止时，可以清晰地看出，它们是由两个或多个叶片构成的。而运动中，叶片的结构看不见了，我们看到的只是一个模糊的圆筒，圆的深度等于叶片的螺距。旋转门或旋转木马也有类似的效果。
尽管这种立体感是蕴藏在运动状态之中的，而不是体现在固体形状或包容空间中，但它确实是可以用摄影方法记录下来的立体物。它的实际存在和一显即逝的特点，可以用来构成一幅非同寻常的画面。
拿一个金属丝制成的挂衣桇，不均匀地拧它几下，然后把它吊在一根绳子上。现在，把绳子捻上很多转，当捻紧的绳子被松开往回转的时候，拧过去的挂衣架就会随之旋转起来。这时用低速快门把旋转着的衣架拍下来。(1)
然后，在绳子往回转时，轻轻地推它一下，使它在旋转的同时来回摆动，所用速度应保证能摄入摆动的全部扫描轮廓。(2)
最后，换一根橡皮绳子，把跳动、旋转和摆动三种运动的扫描轮廓都结合在一起，拍成照片。(3)
做了这些初步的试验之后，你会了解某些金属丝的结构，特别会了解它们的旋转运动(自转式的)和绕转运动（公转式的）以及其它一些协同运动。如果增加不同粗细的金属丝，变换悬挂物体和悬挂形状，以及增加玻璃垂饰这样的反光材料，则可获得千变万化的效果。如果再加上不太平衡的活动方式，还可以产生出一些摇摆和绕转的变化。

安排一个时间去游乐场转一下，在那里，使用中的各种骑乘玩具能产生含蓄的立体感。当夜幕降临，各种结构上灯火通明时，你还能发现种种奇异的构图。如果把几种含蓄的立体物结合在一起，或者把含蓄的立体物衬在有形的立体物上，更可以创作出风格独特的作品。

九、肖像和人体摄影的立体感
人类的形象，包括肖像和人体摄影，在摄影中，如同在任何其它视觉艺术中一样，仍然是最有趣的主题。这决非偶然。从穴居时代开始观赏那些表现熟悉的和陌生的人们的作品，就给人带来了很大的愉快和乐趣。人体的差异，以及外表和表情的不同，几乎是无穷无尽的。
我们大家在很多方面是如此地相象，同时又是如此地不同。我们每个人各自的外表和比例、凸度和凹度、皮肤质地和皮肤色调不仅是各有特点，而且它们也随着我们的每个动作，以及我们内心的每个想法、情绪和感情的不同而发生变化。
本章前述的经验也有助于我们表现肖像的立体感。我们不去美化人物，不想表现他的个性，也不求惟妙惟肖，甚至不管他的感情表现或皮肤纹理——我们只是研究纯粹的人体结构的外形。
我们首先观察一个面孔瘦削，面部轮廓清晰的模特儿。观察他面孔的细节：前额和鬓角交接处的角度清晰明显，突出的眉骨，深陷的眼窝里一对清澈的眼睛，突出的鼻子，端正的鼻梁和惹人注目的鼻翼，两颊的颧骨适当突起，下颏轮廓鲜明。这个要求也许偏高，但找到这样的模特儿实际上是并不困难的。
你仔细研究这个头形，确定一个合适的观察点，以便最有效地突出这个模特儿的面容特征。仔细布光，以便能强调出各部分的立体感，使整个头和脸尽可能地成几何图形。你很可能会发现，为刻划这个外貌，只用一个调焦聚光灯或者一个摄影聚光灯就足够了。但如果你想刻划那更细微的特点，可能需要其他类型的反光器或辅助光。这里无法规定任何照明计划，因为每个人的体形都不相同，因而照明方法也不能千篇一律。只要你决心去生动地表现立体感，经过一些尝试和失败，你总会找到适当的途径的。
曝光，并冲出胶卷。在洗印过程中你需要牢记你的主要目的是什么，并通过洗印的控制来达到那个目的。
研究一下你的洗印结果。看一看你拍成的照片多么富有新鲜感！你选择模特儿的指导思想，摆出的姿势和用光都会在照片中体现得清清楚。

把你的照片顛倒过来，使底部朝上，检查每个部位的形状。鼻子是不是象一块突出的岩石，几乎要从照片上伸出来，眼睛是不是好像装在一个球形的曲面上？嘴唇之间牙齿周围是不是给人以筒状感觉？下颏是否明显地突出于脖子上？你是否仍然能够明确辨别出前额和鬓角的连接处？能否明显地感觉到颧骨从眼睛的外侧延伸到耳朵，形成了面颊和颜面前部的交界点呢？
以此为例，你可以选择任何一个模特儿并按同一办法去做。重要的是你要把构成模特儿头型各部分外形的特点认识清楚，并通过照明设法加以突出。
要记住，这只是肖像摄影的多种方法之一。根据不同的拍摄目的，选用不同的方法能取得不同的结果。究竟采用哪种方法取决于预期结果和指导思想。

穿衣服和裸体的人体都是表现立体感的良好题材。躯干和四肢的每一部分都可以和一个近似的几何图形联系起来。
为了获得更强烈的立体效果，可以把人体布置成扭转的姿势，使头、肩和臀每个部分的方向稍有不同，这时，观察者的兴趣便从正面开始，绕过侧面，然后转向背面。于是又形成了另一种含蓄的立体感。
当人体的一个突出的立体部位衬托在一个凹陷的背景空档上的时候，能产生效果极好的照片。这也是利用背景进行对比，造成动感，表现立体感的一个手法。

第七章 构图原理
“构图”和“设计”可以通用，它们的含义是一样的。在某些情况下，设计被理解为装饰，或对某一结构外表的修饰。但设计的更精确的概念是它的原始含义——构思，即艺术家为了明确而动人地表达自己的思想而适当安排各种视觉要素的那种构思。


一、构图手段
前边我们讲了视觉要素：就是形状、线条、明暗、质感和立体感；它们可以被看作是照片的组成部分，正像我们把构成主题的景物看成是照片的组成部分一样。

下边我们讲构图原理，所谓的构图原理就是对比、节奏、优势、平衡和统一；它们是艺术家把各个分散的部分组成一幅完整照片时所采用方法。
我们一定要注意：视觉要素和构图原理的作用是不同的，不要混淆在一起。
接着我们讨论一下术语的问题：为什么要讨论这个问题：因为在历史上，大多数艺术家使用同样的术语来讨论和分析艺术作品，有些人有意避免使用这些词汇，而是使用略有不同的说法，但它们的目的还是一样的。例如有时候把形状叫实体，有时候又把立体物叫实体。有时候把明暗叫色调，把节奏叫动感。还有一些人认为视觉要素中应该包括空间和运动，构图原理中应该包括比例、变化和尺度等等。这些术语除了起参考作用外，本身并不重要，重要的是它们所表述的特性。新的名词可能使人认为你学问很深，除此之外，起不了什么新的作用。在这里，我们统一使用形状、线条、明暗、质感与立体感来讨论视觉要素，用对比、节奏、优势、平衡和统一来讨论构图原理。
在我们表达感情时，一个词是不能准确深入来表达出来的，需要多个词汇的配合。对视觉要素来说也是这样，形状、线条、质感和立体感的配合使用，才能够起到互相加强效果的作用，如果它们不是按照某一前提加以组织，艺术家的意图就无法表达。构图的手段就是艺术家按照对比、节奏、优势、平衡和统一这些原理，把所有视觉要素结成一个整体的工作过程。这里我们可以再次看出：视觉概念和构图是完全互相依存，彼此不能分开的。

构图方法
我看过许多构图的书本，在他们中间，构思图原理往往被笼罩上一层玄虚的气氛，构图过程被说得比它原来的含义更为复杂。事实上，它本来的含义只是使用视觉要素的一些方法，目的是吸引注意力并抓住注意力，使得艺术家对现实的见解和看法作为一种思想向观众表达清楚。这里可以看出，构图的目的和方法都是围绕我们以前讲的三原则来说的，最终就是为了突出主题。

在一幅关于某一题材的照片里，摄影家总是把你的注意力引向某一形象。那是因为这个形象曾经让他激动过。这种激动，部分来自题材固有的内容和趣味，部分由于摄影家画面的形式美，如果画面的结构不美，那照片就不会受人注意，或者说摄影家的感受就不会得到表现。这种画面结构就是：形状、线条、明暗、质感和立体感的合理统一的安排。过去，题材完全压倒了画面的组织结构。今天，画面的组织结构本身已经变得十分重要，通过对比，不同的视觉要素要显示得更加清楚；通过有节奏的运动，观众的注意力围绕照片而移动，它可以单独成为照片的基本趣味之所在。前边我们讲过，艺术的评判标准是不断发展的，就象新闻作品，现在的观点是要带有艺术风格的画面才是新闻图片中的上乘之作。

当你碰到一个吸引你注意的题材时，要靠你自己的观察力去选定拍摄范围，要把吸引你注意力的部分从周围空间中突出出来，展示它的独特之处。根据一般经验，视觉刺激源是无限的。人们需要透过外表去仔细研究，才能认识主题，发现各部分的视觉美点，以及这一部分对另一部分的影响。
这里应注意的是我们讲过的三原则之一：一副作品应只有一个主题。一副作品应该给人一种单一的统一的印象，画面中只能有一个形象占据主导地位，否则，就会使人迷惑不解。
在构图时，把各个部分组成一个整体需要一定的时间，时间的长短因摄影家、题材和可以控制的条件不同而有所不同。有时候，瞬间出现的题材迫使你迅速做出判断和反应。通过认识和实践所养成的高度敏感性，能使摄影家在瞬间完成拍摄。在另外一些场合，也许要用几小时进行调整，等待光线有利时，才能曝光。
构图原理不是随心所欲地凭空设想出来的。它起源于人们对有条理的安排所作的反应。它来自几个世纪以来艺术家对他们的追随者的教导，来自对几千年的艺术名作的研究。无论早期的或现代的艺术家，都把它作为一种手段，用来给作品创造出趣味，保持趣味。毫无疑问，它并不是狭隘刻板的、限制艺术家创作的清规戒律。运用构图原理，能把具有不同大小和不同吸引力的形状、不同的色调和质感以及形形色色的拍摄对象联系起来，使中心思想占据主导地位。如果没有这些措施，照片中具有不同吸引力的各种形象都要求受到注意，其结果只会导致混乱。


二、图片分析
另外，我们要讲一下图片分析，在图片结构的研究中，过于复杂的分析，也是没有益处的。摄影家有权选择一个原理作为照片的主要趣味之所在。例如，他可以选择一组线条、形状或立体物，利用它们相互关系中的节奏感或相似之处，去吸引观众的视线。或者他把注意力集中在两根线上，通过生动的对比，强调它们的不同。正像我们每个人对大自然的特征和气氛反应不同一样，对于照片的感受也是各不相同的。艺术家在照片里所用的表现方法是他自己的，观众的有选择能力的眼光，仍然要做出自己的判断。这一点可以从下列事实得到证明：
在下面这些图例中，如果只随便浏览一下，视觉要素之间的区别是不容易看得出来的。
一根线条，要粗重到什么程度才被认为是一个形状呢？
多少线条联结在一起就失去了线的特性，而出现了质感和色调呢？
当一条线自行蜿蜒交叉时，它还是一条线吗？或者已经变成一个形状了呢？一个形状需要多少层次才能转化为一个立体物呢？
许多分析家都用线条分析的方法分析同一张照片，但得出的模式和结论却是不同的。这种用于分析的线条是一种干扰因素，它扰乱了对照片进行正常观察。如果一张照片不能以艺术家所赋予的那种方式受到鉴赏，再多的线条分析和口头解释也无济于事。


三、心理学的探讨
关于感觉过程中心理因素的作用，有许多值得讲的。事实上，每个视觉结构的基本原理，都能被科学地解释。
学一点心理学是很有必要的，心理学现在分了很多研究领域，我比较推崇的是李楠的《艺术心理学》，他讲了许多美学的基础，是一本很好的入门书。但深奥的科学研究，特别在学习构图的初期阶段，是容易把人弄糊涂的。它使艺术家过于关心形式，过多地听从他人的见解，转移了对于创作的注意，会限制凭直觉创作的那股冲劲。
有些高度修养的艺术家，大师级的，他们对于自己的创作目的和方法深信不疑。他们可以一边进行深入的心理学和哲学的探讨，一边通过积累经验来提高自己。作品就显得很大气，意境很深，哲理很强。
但是，完全被科学解释湮没了的构图原理，就变成了僵硬武断的规则，只能束缚思想而不能促进创造性。艺术需要一种魅力，这种魅力是在不可预见和无法解释之中形成的。理性是科学的支柱，但无论如何它不是艺术的必要组成部分。艺术是表现思想感情的，甚至不必要求它符合逻辑。艺术属于人文主义范畴。每个艺术家应当立足于个人的直观判断，而不应依赖别人的感受。无论是有意运用别人的知识，还是作出心理学的假设，都不应影响美学上的抉择。说到底，每个艺术家都是按照他认为的正确的方法行事的。
视觉认识能力，不仅包括对视觉要素的认识能力，也包括对视觉要素的组织能力，都是可以通过指导得到提高的。正是为了这个目的，我们将在以下各章中继续讨论构图原理。

第八章 趣味中心
专业摄影者往往能比业余摄影者拍出更好的照片来，原因之一是专业摄影者一般是接受了一个任务才开始工作的。照片的最后用途是在摄影家开始工作之前就讲清楚了的。
摄影家准备拍照的时候，这个特定的主题内容和被摄物在他心目中是压倒一切的，在拍摄过程中和最后印片时都是如此。他对成果的评价，首先看对指定任务完成得好不好，其次才是艺术才能发挥得如何；这种艺术才能可以使作品不但满足了基本要求，还富有感染力。

一、一幅作品只应有一个主题
每张照片只能有一个主题，照片中其它景物都必须是从属的。这些从属景物要尽可能地配合主体，烘托主体，以达到突出主体的目的。从属景物应当作为背景处理。这个主体就是照片的趣味中心。

一张照片如果没有明显的占压倒优势的趣味中心，观众看了就会迷惑不解。如果不是故意的话，他们也会下意识地问：“你要我看什么？这里有什么可看的？”必须让观众尽快地理解照片，立刻看出重点之所在。

当主体是一个单一的物体并且几乎充满画面时，或者由于明暗对比和质感强烈而且十分醒目的话，并不存在什么问题。如果画面有许多其它物体存在，就要使用一些技法来突出主题了。

主体不一定必须是一个人、一个地方或一件东西。它可以是一个形状、一个线条、一个物体局部的质感，或者是相互联系着的若干物体。主体是你要表现的东西。主体就是画面中的趣味中心。

如果画面没有趣味中心。许多有意义的景物就看不到了，以致于画面缺乏内在情趣，画面各部分只配作为从属景物。此外，也没有什么醒目的形状和线条来弥补这个缺陷。因而，观众除了浏览一下之外，在照片中找不到什么值得看的东西。
图例本来是个很好的题材，结果反映到画面中太杂了，问题就在于没有趣味中心。
当然，不必过多地强调摄影家在拍每张照片之前，心中都得先有一个主体。如果不是受人委托而拍照，摄影家就可以自选主体。但在他未作出决定之前，他的工作目的是不很明确的。如果开头就没有一个明确的决定，那么，成品就很难表达一个明确的思想内容。

二、视觉的选择性
作为趣味中心的主体，在取景器里或磨砂玻璃聚焦屏上必须是一目了然。当我们发现了一个拍摄题材，随之心情十分兴奋的时候，我们往往会忽略那些分散注意力的因素；而这些因素足以破坏主体的感染力。这就是视觉选择性造成的结果。
我们都吃过“视觉选择性”的苦。我们主观上想把注意力集中在引起我们兴趣的部分，同时排除实际存在于周围的那些细节。我们仿佛在盼望它们自行消失或变得不那么明显。因为它们在我们心目中的印象不深，总以为它们不会出现在照片上。可是哪位摄影家没有经历过：曝光时并不觉察的物体，照片出来以后才被发现而大吃一惊呢？
解决这个问题的技巧我们有许多种方法，常见的就是控制景深、调整拍摄角度等，但最重要的还是培养自己的视觉敏感性。

三、从属景物
一个通病是，看见一个题材，就以为其中每件东西都有价值的，并且把它们通统拍下来。这种“包罗万象”的处理题材的方法是造成视觉混乱的根本原因，其实，有些东西必须割爱！
割受，是艺术手法的一个组成部分，要做到是不容易的，如果只有一件事，一个东西或一种思想要加以强调而使之居于优势地位的话，那么，画面中所有其它东西都应当排除，或者降低到次要地位。如果容许那些可能引起强烈兴趣的景物很清楚地保留在画面上，它们就会同选定的主体分庭抗礼。即使画面中只有两个同样具有吸引力的景物，也能分散观众的注意力，从而破坏了这幅作品的效果。
如果无法使两者之一处于从属地位，解决问题的唯一办法是分别拍成两张照片。

四、突出表现一个景物
有种误解为：有趣的构图只能来自特写。
完全不是！趣味中心只要求具有一个清晰而鲜明的事物或思想内容。它可以是整个物体或者物体的一部分。也可以是以某种方式结合在一起的若干物体的组合。它可以是一个抽象的构图要素，也可以是几个要素的组合。
画面的统一感，就是把画面的各个部分联结为一个有机体系并和周围的环境分离开,这个有机体系还可以通过明暗对比或质感差别从周围环境之中突出出来。

趣味中心也是可以是一个有趣的线条，例如一根树枝，路面上的一条裂缝或涂在公路上的交通指示线。
有时候也可以是某种奇特的动作或思想内容。


五、背景的作用
各种大场面的景物，例如山腰的一个城镇，一群建筑物，一群人，一群牛等等，都能成为而且早已成为优秀照片的主体。如果它们通过一定的形式、影调、线条或某种概念而结为一体，并且能从背景中分离出来，那它们就是很合格的趣味中心。处于次要地位而足以表明所处环境的背景，是必不可少的：有了它，才能显示出主体的优势；否则，趣味中心就失去了它的地位。如果没有足够的背景来衬托主体，那么，就选择一个本来无意突出的部分作为趣味中心，而把其余部分当作背影。

现在再来看看这张图。一辆蒸汽机车从远处开来，远处以小山为背景，机车冒出的烟有一种视觉动感，前景田野里的麦垄朝向着它，我们的视线被这些线条引向了机车的位置。机车由于它的形状、细部影纹和明暗对比也显示了它的重要性。
一幅照片既要有一个明确的主体，又有次要景物来烘托它，这幅照片就必定能紧紧地抓住观众的注意力。

这也是一幅背景衬托的例子。

一棵树，或者一簇树，如果它们姿态动人，又有明暗对比强烈的背景衬托，都能给人很大的视觉快感。

一群树干形成的节奏也可能把人吸引住。垂直形状不断的重复出现，形成一个线条的节奏。而树干之间的间隔，有背景相衬，又形成略微不同的图案。于是在物体和间隔之间建立起一种对位的和谐关系。

凑近一些，仔细观察一个物体，譬如观察一块树皮，一株香蕈，一片苔藓时，人们可能会发现它的形状和质感结合起来十分动人，运用技巧把它们从背景中突出出来，也不失为一幅好作品。

一根树枝不断分出细嫩的枒杈和枝条时,有背景相衬，它的图案也是相当动人的。

在有些地方，有许多老房子或废弃多年的建筑物的遗迹，它们上面可能已是杂草丛生，面貌皆非了，可以做为很好的背景材料，寻找角度，可以拍下许多有意义的片子。象如图的片片，有诗一般的画面，可以使人联想起人生，引出许多感慨。

背景的烘托，可以使一幅人像作品能把人物最生动的表情特征集中表现出来，这比大量文字描写更能揭示他对人生的态度。必须学会在任何特定的全体景物之中把值得特别宣扬的那个物体突出出来。

可以充当照片趣味中心的题材是无限的，这话已成老生常谈。但这句老生常谈却是千真万确的。一旦在你的心目中有了一个明确的思想，你就能找到方法把它表达出来，即使在有些被摄物从相对体积来说不利于充当趣味中心的时候，你也能设法达到目的。
在这幅有力的工业的照片中，毫无疑问，作品的趣味中心是焊接容器和电路板，浅景深把人们的注意力集中在了工人所把持的焊接容器和电路板上。注意他手中的器具，和电路板组成了三角形，吸引读者的视觉眼光。而且，工人的脸部也保持着足够的能见度，他的专心致志引起了人们对其所完成工作的关注。无论远摄还是近摄，对选择趣味中心都无关紧要。重要的是要养成一种习惯：去思考，去设法树立一个主体并围绕这个主体创作你的作品。正像先有思想后有语言一样，趣味中心必须在着手拍照之前就确定下来。缺乏思想的语言是空洞的，缺乏思想的照片只能是一个毫无意义的影象。在视觉形象中和在语言文字中一样，意义含糊会使人不得要领。

六、复合趣味中心
我们经常会碰到一个题材里有两个或两个以上的物体需要同时加以强调。如果这两个物体通过十分相似的要素而互相联系，问题并不难解决。可以把它们当作相互联系的内容或者一个联合体来处理。

在图中，很明显，共同有关的内容是帆船。两只船的主帆和船体的形状看来都很相似。在构图上，尽管右边一只在体积和位置上略胜一筹，但它们还是组成一个整体占据着画面。这一复合体在画面上占据着无可争议的优势。
这种优势并不牢靠，为了充分理解这一点，可以轮流遮住某一条船。注意趣味中心是怎样移到未被遮住的那条船上的。你会发现，为了使两个或更多的景物联结成一个趣味中心，必须用比较宽阔的背景去突出它。背景越宽阔，多个景物结成一个趣味中心的机会就越多。当然，它们互相靠得越近，结成一个整体的可能性就越大。


选好作为趣味中心的主体以后，用什么方法加强它，使它真正占据优势呢？可以求助于三个因素——布局、大小和对比。这三个因素偶尔单独发挥作用，但经常是共同发挥作用的。 下边我们讲布局。

太感谢了,真好:handshake

第九章 布局

一、单一物体的布局
让我们设想你发现了一个颇感兴趣的主题。经过一番考虑，你确定了一个中心思想，你甚至把这张照片的画面轮廓都确定下来了。现在就是提出这么一个问题：把趣味中心安排在画面哪个部位更为理想？
一般的摄影指南都赞成把趣味中心安排在画面中心的附近。但是，赞同与反对者对此却各执一词。
我们通过试验来说明问题：
首先，我们来考虑一下，把一个稍暗的物体衬在一个简洁明亮的背景上应该怎样布局。这里，我们采用已故雕刻家阿尔比诺·卡瓦利托的石雕海龟作为试验的对象。
为了便于作试验，把石雕放在沙盘上，沙上放些淡颜色的卵石和树叶使质感有所变化。试验时只拍一张底片，要给海龟四周留出充足的余地，以便在各个方向进行剪裁。





现在让我们试验一下各种各样的布局。
最好忘掉接接触过的各种“规则”，不要带任何偏见，仔细观察这些布局，也不要考虑你曾学过的诸如平衡之类的理论，只需要评价这些布局本身给你的印象。尽管画面都很简单，但每一个布局所表现的动感、悬念和气氛却不尽相同。从这一点看来，其中有些布局的效果比中心布局的效果肯定更为理想。
为了有所创新，必须学会观察。观察不是为了肯定已知事实，或套用传统理论，重要的是从中作出自己判断。创造性的活动不应受过去的束缚，必须从有碍个人探索的先入之见中解放出来。甚至有时候应该向传统观念挑战，才更为明智。
上面各种布局仍有局限性，因为画格尺寸的比例受到通用商品的规格限制。想要获得更大的变化和更好的表现效果，可用其它的画格尺寸来作试验。

这是一个香水广告片，他的布局就在中间，你看了这幅作品有什么样的想法？

一片叶子，右下角，你觉得如何？

物体放在右上角呢？

左下角的例子。

二、人像摄影的布局
下面我们考虑人像摄影。在人像摄影的布局中怎样安排趣味中心，这个问题要更复杂一些。人像和小物体不一样，我们不可能把人像的底部与人体本身完全隔裂开来。
这里仍有必要把主体衬在一个简单的背景上。如前所述，为了使用试验简单明了，我们让头部的色调稍微明亮，而背影的色调保持中灰。这次使用室内背景，以便保持适当的环境和质感。
要使注意力绝对集中在头部，而不集中在背影的任何部位上，就得把人像安置在背景前面适当的位置，以便当镜头聚焦于头部时，背景能被柔化。
由于作布局试验时需要有充分的背景空间以保证趣味中心的自由移动，我们应该用完整的原始负片印出这样一张照片。

用这张底片剪裁出一张标准的面向前方的肖像，其头部可能恰好位于画面中心。这张照片的布局和比例虽然没有什么大毛病，而且在许多情况下还算得上剪裁得当，然而，却显得平淡无味，缺乏深度。
用不同的画格和布局进行试验。

用不同的画格和布局进行试验，可以得到下面一些结果：
以上照片中背景绝不至于反宾为主变成趣味中心，因为：
1，头部色调较亮，和较暗的背景色调形成相当强烈的对比，因而显得十分突出。
2，头部焦点清晰，能把注意力从焦点模糊的背景上吸引过来。
3，头部的立体感、形状和质感吸引了注意力。
4，对主体的性格刻划十分生动，这本身就具有强烈的吸引力。
总结一下，就是：如果拍摄的主体比画面其余部分吸引力大，我们就大可不必把主体置于画面中心，拍摄对象不论位于画面的什么部位，都会成为趣味中心。







三．布局对摄影意图的强调作用
当画面上出现具有同等吸引力的两个拍摄对象时，问题就大不相同了。让我们把两个人放在一个简单背景上来研究。
如何布置趣味中心，完全取决于你想表现的特定意图。
如果你想强调双方会见的重要性而不强调任何一方，那么就要以几乎同等的重要地位来表面双方。每一方周围的背景空间也应该基本相等，同时整个画面应该留有宽敞的背景，以便使双方体现为一个整体。

现在，假定两人亲切握手是你意图中最重要部分，那么，镜头就要靠近握着的双手，把手拍得更大一些。还要剪裁部分躯体，以减少足以分散注意力的因素。 (1)
如果握着的手和人体相比所占比例再加大一些，人体就得裁掉更多一些。有时这样的构图比保留较多的人体更能表现作者的基本思想。(2)

请注意观察：如果在构图时把握着的手放在画面较低的位置会产生什么效果。(1)
由于手臂的定向线条都通向握手处，握着的手作为趣味中心仍然保持其优势地位。也许大多数人会认为前一张照片的构图能够更有效地把注意力吸引到握手上。但是，左面这张照片由于周围背景平淡，加上手臂定向线条的作用，特别是两个人体构成了边框，这一切使两只手臂的接触点具有一种不可抗拒的吸引力。
如果我们的意图是要突出两人之中的一方，那就需要对构图作进一步的调整。(2)
构图调整以后，要突出的那一位上体周围留出了相当的空间，而另一个人则被裁掉了一部分。这样一来，左侧的人就受到更多的注意，而握手依然是趣味中心。
如果把构图作相反的调整，右面的人同样能被突出。(3)

现在，如果你回过头来再看看前面一系列的照片，好好研究一下拍摄意图和主体位置之间的关系，你就会发现一条指导原则：为了强调所选定的趣味中心，必须把它布置在画面中心附近的某一个地方。
因此，我们可以得出如下结论：
1，如果画面上主体有明确的视觉特点，趣味中心就不一定布置在画面中心附近，可以安排在效果最佳的任何部位。
2，如果画面包括了附加的对象并有可能分散注意力，就要把中心部位让位给主要对象，使它具有更大的吸引力。
3，把附加对象布置在紧靠边框的地方或裁掉一部分，就能体现出它的从属地位。

趣味中心就不一定布置在画面中心附近



一种恬静之美，有了这种感觉，我们再来分析作品的构图，就会明白作者匠心所运。

大面积的冰原雪地，倾斜的地面，从形体上可以看出两位攀登者正奋力向上，点睛之笔是画面正上方的刺目的阳光。

附加的对象有可能分散注意力，就要把中心部位让位给主要对象，使它具有更大的吸引力。
作者没有用意去刻画画面中人物的生活背景，只是用了三角形的构图，就把两位老人的艰辛全部浓缩到了画面中沉重的袋子上了，反映了一种社会问题，这样的画面是很有说服力的，相比之下，有一些所谓的大师以虚幻的创作手法来反映社会，画面中全是迷茫的东西，不知所云，充满浮躁，空洞无力。

附加的对象有可能分散注意力，就要把中心部位让位给主要对象，使它具有更大的吸引力。

附加的对象有可能分散注意力，作者大胆裁切了画面，只使用与水有关的部分，把壶口瀑布的气势完全表现出来了。

附加对象布置在紧靠边框的地方或裁掉一部分，就能体现出它的从属地位。
垃圾筒的出现交待了孩子们的环境。

附加对象布置在紧靠边框的地方或裁掉一部分，就能体现出它的从属地位。

下面几章还要谈到构图学的其它原则；理解了那些原则之后，我们就会发现，还有另外一些因素也会影响布局。
前面一些图例只是为了阐明关于布局的论点而作为一些浅显的说明。还有一类照片，包含的拍摄对象更多，能够表现的意图也更多，让我们看看对这类照片该怎样运用上述的论点。
这张照片是一伙打桥牌的人。如果我们的意图不过是想表现这些打牌的人，就应当使她们尽可能向一起靠拢。但这几个人受到桌子的限制，无法靠得更近，所以，要使用场面较大的背景，以表现他们相距很近。

为了突出远处那个打牌的人，把她安排在画面中心附近，而把两侧的两个人加以剪裁。位于前景的人尽管显得很大，而且也同样处于中心，却不会占据优势。这是因为背影远远不及面孔受人注意。
如果把三个人集中在一边，右手的那个人因为和别人拉开距离而显得突出了。

图1左侧的那个人突出起来了，部分原因是布局的关系，部分原因是玩牌的注意力集中在她那里。
图2突出的是位于前影的人以及她如何对“明家”出牌。其他人的影像几乎完全从画面上裁掉，这就使她们完全处于从属地位，从而再也不可能把注意力从选定的中心引走了。
在上面一系列照片中，每一幅照片中的趣味中心都是运用前边的三个结论取得的。把需要突出的人物尽可能地移到画面的中心，其余人物或移到边缘上，或部分裁掉，以表示他们是无关紧要的。


四、指出着重点
一个手指指着一定方向就具有一定的指挥力量，这种力量是很难抗拒的。我们的注意力总是沿着手指所指的方向移动，直至移到所指对象身上为止。箭头也有类似的力量，能够控制我们的注意力。手指和箭头常常作为符号用来把注意力引向某个焦点。
不论所指目标多么微不足道，不论在所指目标的前面有多少障碍物，也不论所指目标处在什么位置上，我们都会不由自主地去注意那个被指出的人或物，而这个被指出的人或物就成了趣味中心。这种指示力量是无法抵挡的。

天堂之路。你注意到屋顶的天窗了吗？

在拍摄人造物时，有时能发现尖形的物体和箭状物体，可用来把注意力引向选定为趣味中心的内容上去。

海滩C形把礁石给衬托出来了。

许多物体都具有惊人的定向效果。任何角度，或任何形状当它们汇集于一点的时候，或当它们缩小到近乎一个点时，都会把观察者的注意力引到各个边的相交点上，或使注意力沿着它们的走向而移动。

当两条或多条线交叉的时候，注意力便集中在交叉点上。我们总是情不自禁地去注意交叉点，因为从某种意义上说，四个或更多的箭形物体都正指向着同一个点。



瀑布垂直的水流把人的视线带到了小舟上面，小舟虽小，在画面中却很突出，这和我们前边学的线条中有关原理是相一至的。

一条有力的线条，或曲或直，总能引导观察者顺着它的路线去探视，去寻找在它终端的那件东西。

如果线条是从画面的边缘或靠近边缘的地方开始的，这种效果就更为明显。



船的方向指出了画面的趣味中心，远处的瀑布。