二、利用明暗进行对比
取得对比效果的另一个方法是使主要拍摄目标变暗。由明暗对比产生的差异具有强大的吸引力。如果同时运用大小对比和明暗对比，可使吸引力大为增强。
相反，也可以让主体方块明亮，而让其它方块黑暗而造成差异。

在实际拍摄中，当拍摄主体极暗而周围环境极亮，或情况完全相反时，所产生的对比效果是最为强烈的。但某些情况下，极其强烈的对比显得过于刺眼，因而是不可取的。想取得更加微妙的对比效果，可将拍摄主体置于中间色调背景上，而不是采用色调极端相反的背景。

我们可以把明亮的物体衬在中间色调的背景上，

中间色调的物体衬在明亮色调的背景上，

暗调的物体衬在中间色调的背景上，

中间色调的物体衬在黑暗色调的背景上，

或明暗结合的物体衬在中间色调的背景上。
但是，要确实保证让大量的对比因素有利于突出拍摄主体，切不可喧宾夺主。主题的次要内容必须在大小和色调上处于从属地位。

灰色的背景，定了主题的调子，明暗结合，突出了主题。

要再三注意各个构图原则之间的相互依存关系。纵然大小和明暗的对比都运用得恰到好处，如果布局不当，也是枉然。

三、利用形状进行对比
在大小明暗保持不变的情况下，也可以通过形状的变化来取得对比的效果。
在左图中，圆形本身从周围的方块图案中突出出来。
在右图中，处在圆形环境中的方块有着同样强烈的吸引力。

在图例中，衬托在背景上的圆之所以醒目，主要归功于形状的对比，其次，大小对比、布局以及独特的设计和文字图案等因素也起到了强有力的烘托作用。整个画面的色调也是协调一致的。

在图例中，人物的优势地位不容置疑，因为他的不规则的体形反衬在几何图形背景上造成了形状对比，此外，还有大小、明暗和方向的对比，而且把人物靠近在画面中心，这种布局也有利于人物的优势地位。



四、利用方向进行对比
因物体方向改变而引起的差异具有强大的吸引力。只要把主方块环绕其中心略为旋转一下，我们就会情不自禁地把注意力倾注在预定的趣味中心上面，不再需要辅以大小、形状或明暗的变化。
如果使其它方块改变角度，仍然可以让选定的趣味中心保持其显著地位，这就足以证明吸引力来自差异，而不是由于图形棱角本身有什么内在的特殊作用。
和前面几种对比一样，使主方块得以突出而成为趣味中心的原因，除了物体方向变化之外，还有一些因素，就是打乱了图形和行列的规律，以及使方块周围背景空间的形状发生了重大变化等。

和物体形状的方向变化相比，线性方向的变化所造成的对比具有更强烈的效果。
在图三六八中有一根单独的线条表示趣味中心，位于画面中心附近；如果构图中没有其它方向性因素出现，这条单线的优势地位本来是不用怀疑的。
然而，如果设想给这条单线增加许多条附加线，并且在观察者看来，这些线条都是向同一方向倾斜的，你就会看到这些附加线湮没了原来那条单线的优势地位，结果趣味中心就不复存在。
但是，假如附加线条都向相反方向倾斜，就可以获得截然不同的结果。尽管附加线条比图三六九中的数量增加了很多，但原来那条单线仍然昂然突出于群线之中，成为趣味中心和优势部分。继续增加附加线条，不管增加多少，甚至加到快把它湮没的程度，也很难抹煞原来那根线条的存在。(T370,371)
这些异向线条并不一定非要各趣味中心的方向完全相反，只要方向上有充分的变化，中心内容仍可不失优势地位。(T372)

看这张图片，倾斜的线条和直立的人进行对比。


当涉及方向问题时，我们往往考虑的是物，而不是人。然而，在人物摄影作品中，头、躯干和人体各部分之间以及周围物体之间，常表现出一定的倾斜角度，这种倾斜角度对构图和情绪有着强烈的影响。当拍摄对象的表情紧张呆板时，为了使他们变得轻松自然一些，我们都曾提过建议，请他们把头稍为偏转一下。



这幅照片是 明熔居士  6月16日在施工现场拍摄的。
当时最高气温达到了45度，工人们在室外的杆塔上作业，汗水浸透了他们的工作服。杆塔上的三角铁温度不会低于65度，职工们为了保证以优质工程按时送电非常敬业的工作着。

拍摄站立的人物时，并不一定要求身体笔直，可以向前弯、向后仰，或向两侧倾斜。图中老人略为倾斜的姿态正好衬托出他对工作的认真。

再来一张站姿的。
这张照片中的阴影也起了很好的对比作用，重复的影像很有意思。

看一张坐姿势的，老街中的老人，无无忧无虑的生活。

再看一张坐姿的。你想这位女士在做什么？

可以看出，就连坐姿势的角度和曲线方向与个性和情绪之间也大有关系，这一点你即使不是职业心理学家也是可以理解的。
卧倒、走路、跑步、工作、游戏、休息——这一切都具有方向特征，摄影家对此必须十分敏感，这样他的作品才能传神，并且有构图上的感染力。

五、利用情绪进行对比
从前面的线条草图中可以看出，方向对比的作用，不仅限于构成优势部分，它在表现各种情绪，如有力的动作、兴奋、竞赛、对抗以及轻松恬静等方面，也是一个重要的因素。
优秀的摄影作品能够通过画面上的线条、形状和色调来传达某种情绪：这些线条、形状和色调所表现的也正是摄影家在摄影时对于主题画面基本精神的感受。要表现高贵、庄严、内心冲突、喜悦、恐惧、镇定、沉思和平静，仅仅具备与这些情绪有关的素材是不够的，要善于选择和运用能够表现这种情绪的构图原理和要素，这一点和选择拍摄内容本身具有同样重要的意义。

残荷，黄昏的日光，冷暗的背景，歪斜的枝条，一幅无奈的感觉。

如果你想把一个纪念性建筑拍摄得雄伟、壮丽，你的画面就应包括能够衬托这样特点的内容，如周围的风光、背景、前景甚至天空。这样，画面就会表现出你所希望的情绪。物体的鲜明轮廓，井井有条的风景布局，天边的云彩：它们都构成了一定的形状，线条，呈现出立体感，和谐一致并形成了对比，从而烘托了气氛。

另一方面，假如你的目的是要表现对某一建筑物的不满或鄙视，那么，你所选的景色内容和天空就应该不那么庄严。背景可以摄入令人不愉快的物体，而前景可以显得肮脏而杂乱。这里不宜使用横平坚直这种明快的对比，因为这种对比表现力量和稳定；而应当使用不规则的斜线条和拙劣的形状的对比。
图中反映了城市建设中的不协调。利用中行的大楼和破旧的屋子进行了对比。

以上谈到的构图要素和构图原理虽然在大多数情况下是正确的，但并不能保证在所有情况下都能体现作者的意图.
两种相对立的情绪或动作之间，并不存在一条明显的界限。狂欢和悲伤的面部表情十分接近，以至有时会把一张狂欢的照片误认为是悲伤;反之亦然。往往，一个摄影者打算拍摄一个人在开门，而印出的照片却好象是在关门。在一张纪念性建筑物照片中，原先用来贬低其重要性的那些景物，可能起完全相反的作用。它们可能使这个建筑物看起来好象是存在于杂乱而冷落的环境中的一个庄严有序的宜人之处。
图为孔庙的沧桑。也有人认为这是一种辉煌。

六、利用质感进行对比
质感方面的对比经常容易被人忽略。事实上即便是在一个色调完全一致的地方，摄影家也可以找到相当多的质感上的差异来加以突出，或者为取得视觉或美学的效果而加以强调。
对比法则表明，一种颜色和它的补色放在一起，就显得分外鲜艳。要取得最佳的质感效果，同样也要使用相对的质感作为衬托，例如用柔软光滑的围巾衬托一张粗糙的脸，用平静的湖水衬托闪亮的金属等等。美丽的大理石精磨制品往往要放在粗糙的底座上才更耐人玩味。

利用质感进行对比。


七、利用色彩进行对比
我们所谈到的对比实例都是最常用的，如大小、形状、明暗、方向和质感。最有效的一种对比手段——颜色，色彩对比是色彩研究的一部分，对色彩学的全面研究将涉及到相当广泛的内容，研究起来会令人陶醉。




哪个地方最有吸引力？


8、利用虚实进行对比
虚实的效果也是我们在摄影作品中常见的手法，有了虚实的衬托，作品的趣味性就强了，主体也可以脱颖而出了。


这样的作品，引起了你什么样的思考？金钱万能？科技就是金钱？还是有更多的想法？看来，作品的名字不是最重要的。如果真是这样，作者也就得到了目的。

这幅作品大家看看是表现了警察一种什么样的精神？

有人说这幅表现海滩上赶潮人们的照片应该反转一下虚实更好，看法不同，也没有什么错。





9、利用思想和内容进行对比
对于一个摄影家来说，他必须把对比时时铭记在心。对比不仅仅是为了吸引注意力而使用的一种手段，它还是一条基本的自然法则，在艺术领域中是绝对不可忽视的。对比在表现活力、生命力和紧张状态时，具有一种令人信服的力量。
当摄影家获得机会有意识、有目的地使用构图手段时，他们往往运用相似点去追求所希望的和谐。但任何事物的相似点太多都会导致单调和乏味。通过相反事物的平衡，如黑与白，推与拉，主动与被动，也能产生同样的和谐效果。
正像在写作当中运用对偶，对照等修辞手段一样，通过强调物体、态势和动作之间的区别，可以把某些观念表达得更清楚，更富有戏剧性。这些区别必需表现得十分强烈，观众才能迅速领会摄影家的主观意图。
我们认为，值得花费一些时间和精力，从许许多多事物中选出一些可用于摄影的对比关系。举例如下：
痛苦——愉快，粗劣的——精细的，天然的——人造的，零碎的——完整的，优越——低劣，井井有条——杂乱无章，短暂——持续，原因——结果，内在——外在，坚韧的——脆弱的，灵活的——死板的，成组的——单独的，简单的——复杂的，相似——差异，整体——部分，开始——结束，永恒的——多变的，有力—— 无力，向前——后退，优——劣。
雪地中无奈的下岗工人。雪地中人们的冷和热气腾腾的小吃对比，雪的倾斜的线条可知雪之大，可看出他们为生计而负出多少艰辛。

神情的对比。可怜的孩子，不得不让小朋友喝自已的饮料。

玫瑰是一种什么样的表达？大家都年轻过，相信大家都有所理解，可是画面中却是一枝调谢的玫瑰，就不能不引人去深思了。这幅作品的深度感就在这里。如果我再告诉你，这是情人节之后的玫瑰，你是否有更多的感慨？作品的名字就叫“情人节之后”，前边我们说过，作品是不需要名字的，但我们同时也讲了，什么都不是绝对的，这幅作品如果没有名字，同样也是好作品，好的作品再加上一个好的名字，决不是画蛇添足，只能是锦上添花。

两位同样为生存而劳作的人，相似性很强又有所不同的对比。

这种对比就比较含蓄，四方形门框就暗示一种束缚，衣着打扮也暗示这两位老人是守着传统的老人，他们挤在并不宽畅的门框里向外张望，表现出了一种什么感觉，是观望？是渴望？还是期望？

总之，内容对比是构图的一个重要手段。它和大小、形状、色调、方向和质感的对比有所不同，它并不是每张照片中必不可少的。表现主题，可以运用多种方法。究竟应该选用哪一种对比手段，则取决于主题，取决于摄影家的观点，以及观众的兴趣爱好。

F1上海站转播开始，加油！！！！！！:D:D:D



第十一章 节奏
——格局和步调


安定而有秩序的生活是人们心理上的需要，当我们置身于草原，看到眼前风吹草舞，周围山峦起伏，我们都会心旷神怡。蜿蜒的田垄，美丽的公园，宜人的城镇都能使人赏心悦目。正因为这样，艺术家们总是有意识地赋予他的作品以条理感与和谐感，因为它们能满足人们在这方面的要求。
面对着形状，色彩，质感各自不同的大量拍摄对象，摄影家的脑子里总是不断地盘算着怎样从杂乱无章之中理出和谐的因素来，这就是丑中之美；而这里所谓的美就是条理感。在混乱之中，特别当主题或景物本身缺乏固有美的时候，这种条理感是很难发现的。在一片混乱之中看出生活某一侧面的反映；这种反映出来的东西可能是使人不愉快的，甚至可能是难登大雅之堂的，但作者能抛开世俗的见解，从无秩序之中寻求秩序，发现被忽视了的美，采用自己的手法来完成作品，这就是艺术家最可贵的地方。

把画面各个部分组织起来，也就是构图的实质所在；只有这样，被摄事物和你的既定思想才能得到成功的表达。在前一章，我们曾经讲过怎样通过有效地利用差异而求得秩序。相反的事物，由于它们截然不同而被突出，使人不至于忽略它们。观众也会因此而比较容易地看到摄影家想让人们看到的东西。恰当地安排对立的事物，就能创造出由于矛盾着的因素构成的均衡而稳定的统一体。比如把垂直的物体和水平的物体联系起来观看最有意义，把黑暗和光明联系起来看。
题材中对立因素的数量和对立的强烈程度决定着它们被强调的程度。如果一张照片的每个部分包含的对立面太多，就会造成混乱不堪的局面。但是，如果一个题材适合于表现混乱，而混乱正是摄影家想要表达的气氛，那么，就最大限度地利用差异和对立吧！（工棚中吃饭的工人。倾斜的阳光和工棚横直的光线对比，光线中几个工人正在吃饭。这个作品初看是被倾斜的光线吸引，其次是墙上光线，最后视觉的落角点是吃饭的工人，在完成所有的观察之后，我们就会考虑到工人生活的艰苦，这样的窝棚是透风透雨的，如果刮风下雨他们会怎么办？）


[ 本帖最后由 rendy 于 2006-10-1 12:54 编辑 ]

一、通过相似点形成和谐感
前面讲的是差异的作用。相似物体适当地结合起来也能取得和谐的效果，这两种情况并没有矛盾。要做出符合摄影美学的处理，关键在于题材本身能够说明什么，摄影家把它们当作视觉材料加以发掘和利用，什么有意义，就选择什么方法来表达自己的意图。
图例中有不同图形，许多图形在大尺寸和形状方面过于相似，致使人们无法从中找到占据优势的形象，无法建立有效的对比，画面混乱。
现在让我们假设，画面中那些圆形的形状和大小大致相同，而且能和其它形象区分开来，这样，我们就有可能找出它们的内在联系。注意：这里使用的方法和前一章不同。我们不是把一个物体突出并加以强调，而是留意找出可以结成一体的成组图形。
我们可以通过滤镜对负片进行控制，或通过印放时处理，或者两者兼用，来提高这些圆形的亮度，使它们具有相似的影调，同时把画面其它图形压暗。于是，明显的相似关系就表现出来了，大家看下面的图是不是这样。
因为图例中园形图形相似，间隔相等，给人以明显的有组织的感觉。而且其余图形都变成了背景，在背景的衬托下，虽然这些圆形之间并无实际联系，但我们观察整组图形时，能得到一种波浪式运动的印象。

再如图例中，水草和它的倒影成了鱼的抽象图形，散落在水面中，也很是好看。
像音乐听众预测节拍一样，摄影作品的观众也能在一组相似形象中辨认出某一形象，并且预感它的再现。经过合理安排后，有节奏的动感，能够引导观众的视线沿着画面移动，满足他们的观觉感受，抓住他们的注意力。相似图形和间隔的不断重复，在无秩序中找出了秩序，就象音乐和诗歌中的节拍在视觉上的表现，给人以很大的满足。所以它叫做节奏。


二、节奏
昼夜交替，四季循环，海浪拍岸，心脏搏动，它们都有自己的节奏。
大部分人生来就具有节奏感。试从背后观察一个体态协调的人走路的姿势，并且注意他是怎样保持节奏的。不但脚跟着地的声音有节奏，而且双臂的摆动、肩膀和髋骨对称交替地倾斜和脊椎的扭动都有明显的节奏。不同年龄的人走起路来节奏是不同的。在青年的早期，男女间的差异就已经出现，到了成年时期，这种差异就更加明显了。在同年龄同性别的人当中，每个人又养成了自己独特的走路节奏。
人类每一个活动都和某种节奏形式有关。请注意那木匠锯木，船工划船和游泳比赛，观察他们是怎样有规律地一动一停，从而使他们的活动变得轻松自如。节奏能使从事活动的人和旁观者同样感到愉快。我们会情不自禁地被那种和谐摆动所吸引。
节奏是一个有秩序的进程，它提供着可靠的格局和步调。一旦建立起一定的节奏，我们就能够预见它的连续出现。保持了节奏，我们就会感到愉快。由于节奏具有高低起伏的一定格局，它就成了激发情感，表达情感的理想手段。节奏能激发和丰富人们的想象力。它除了具有实际的感情方面的作用以外，也是表达感情的艺术领域里最有影响的因素。
图中我们可以看到黄色的菊花从其它菊花中脱颖而出，这源于摄影者把背景压暗的缘故。


三、节奏的视觉快感
照片不一定必须具有某种含义。
照片的基本目的，除了某些具体用途之外，就是为了让人观看时得到视觉上的快感。当然，由于内在的原因，各人的视觉经验是不同的。但这种经验大部分都伴随着某种情绪的反应。喜欢，还是不喜欢，往往是从这种经验出发的。
比起其他构图原则来，节奏更能引起视觉的快感。它有很大的活力，即使最平淡的题材，只要发现了和再现了某种节奏，照片就能给人以深刻的印象。正像一个缺乏节奏的人跳舞时显得滑稽可笑一样，一幅本来包含着形成节奏的条件但却没有形成节奏的照片，给人的印象是不舒服的。在有节奏的作品中，不见得每个物体都十分相像或每个间隔都完全相等，也不见得都是严格地重复出现的。它不是机械式的，而是微妙的差别和变化，正是这些差别和变化给作品增添了趣味。
（去济源黄楝树林场的路边）

这是去年我在王屋山的路边拍的。


四、重复的节奏
节奏最简单的形式，是通过某一形象，以相同的间隔重复出现而形成的一定格局。我们可以把图三八二中那些圆形用任何形状来代替。
这些图形不一定要排列成一个流畅的曲线可以排成一条水平线：

一条垂直线：
一条斜线：
或者一条弧线：

由两个物体构成的画面只能有一个间隔。虽然物体的形象重复出现了，但间隔只有一个，并没有重复，所以还不能形成节奏。至少要有三个物体重复出现，而间隔至少重复一次，才能形成节奏。
任何物体，任何构图要素都可以用来构成节奏。形状、线条、影调、质感的重复出现并有重复出现的间隔，都能构成节奏。

篱笆、成排的柱子，有拱顶的长廊，建筑物的窗户等，都是明显的例子，说明利用重复可以形成节奏。有时候物体和间隔排列得过于精确，看来反倒有些呆板。一个篱笆上的桩柱和间隔在排列上如果稍有些变化，看起来要比建筑物上尺寸间隔完全相同的一排更为有趣。

图例中利用了颜色和形状的不同，打破呆板的相似状态，使画面负有节奏感。


正像过多的差异会引起混乱一样，过多的相似也显得缺乏趣味而导致单调。
图中就没有正确处理好外形，色彩，大小的节奏 关系。

在一块草地、一片茂密的花坛或一堵墙的照片中，不管人们能够找出多少构成节奏的因素，由于过分的相似还是不利于构图。过分的统一与和谐能把艺术效果减到最低限度。
在自然界，这样的景色可能是美的，因为人的目光并不在它的上面停留多久。人们会很快地把目光移向其它风景，从而进行了调剂。留在人们头脑中的印象并不是照片上拍摄下来的景物，而是草地、花坛或砖墙与邻近景物的结合体。

我们通过视觉所接受的东西，事实上包含了很多心理上的反应。摄影家必须提防人们的心理习惯对各种感觉的影响。
心理反应之一：相近影响原理。指人们对邻近物体的印象，能对所选定的拍摄区域产生影响。
心理反应其二：视而不见原理。指人的眼睛能够集中注视一个单独的物体或一组物体而把不需要的细节略而不顾，误以为相机镜头也能这样。
心理反应其三：相似忽略原理。当人们过于匆促地观察了一个题材中过分重复出现的各个相似部分时，往往会忽视其中的差异之处。这种差异可能产生非凡的效果。如果我们缩小拍摄的范围和画格的局限，就会使照片和实际景物之间发生很大的差别。

但是，我们必须再说一遍：艺术中没有绝对的东西！虽然有人认为完全的相似在大多数情况下会产生单调感，但也并非经常如此，有时候艺术家正是利用这种单调的成分构成影象，来表达一种独特的富于吸引力的质感。

五、间隔的重复
间隔在节奏中所起的作用，比人们能够相信的要大得多，事实上，在形成节奏方面，间隔和物体起着同样的作用。如果物体有规律的重复出现而间隔不是重复出现，那就没有节奏了。遇到这种情况时，要进一步留心寻找这些间隔之间的有没有某种有秩序的关系。如果找不到直接的重复，那也许是以更复杂的形式出现的。
画面中柱子的明暗和间隔形成了节奏。

间隔发生了变化，佛像成为了主题，前边重复的栅栏成了陪衬。

另一种变化形式是间隔的宽度逐渐变化。


六、复合结构
景物的重复出现，不一定只包含一个形状或一个线条。以某种方式结合在一起的成组的景物，或由几个成分组合起来的景物，也可以作为一个单元重复出现。
沙滩上重复的桌子，每一组都可以做为一个整体重复出现。

看看你周围的环境，注意由重复出现的东西所形成的节奏，这种例证在你的日常生活中简直比比皆是。糊墙纸、室内装璜用的印花布和纺织品、帷幕、衣服、地毯的图案、暖气片的格子、电视机、空调机、压花模制品、一排排的书……真是不胜枚举。

仔细琢磨下面的至理名言是很有意思的：任何研究项目达到较高水平的时候，都会使我们在洞察力和知识水平方面更接近自然。我们在艺术作品中发现的任何一种有条理、有秩序的东西，都会有一个完全相对应的东西早已存在于自然法则之中。
如果我们透过表面观察一下植物世界和动物世界的结构，我们会发现，大部分动植物是由符合基本模式的单元构成的。物种之间的差异，只是由于其组成单元的形式和重复的性质有所不同而已。没有两个物种是完全相同的，而物种的变异则是无限的。请注意观察像种籽的荚、松果、花朵、植物各种器官的交接处、贝壳、海星、昆虫和蜂巢这一类东西。

摄影家对大自然的奥秘和它所包含的条理性必须格外敏感。如果亲身接触了生活的节奏，他的想象力就能得到解放，就能在庞杂的事物之中发现相似的条理性；而对于常人来说，这些不过是一片混乱而已。
像在音乐中一样，在视觉艺术中重复是节奏的最简单的形式。因为艺术品的价值不在于它的复杂性，运用简单明显的节奏，并不等于把这幅作品降为低级品。最终的评价标准要看节奏是否适当和效果如何。


七、交替形成的节奏
交替给节奏带来了多样性。这种多样性存在于形状、线条、方向、位置、色调或质感的变化之中。由于重点略有变动，所以这种变化有助于减少单调感。
交替形成的节奏，涉及两个独立的物体，它们交替出现。
它们可能是大小相同而形状不同：
形状相同而大小不同：
或者是位置的交错：

也可以由一个形状和一个线条构成：
或者是一个复合体和一个简单物体交替出现：

摄影家能够不断地发现并创作出不同的节奏来，特别是当他有机会把音响节奏和拍摄题材的视觉节奏结合起来的时候。这种相互结合的机会在音乐、舞蹈和工业机械题材中是偶尔可以碰到的。只要摄影家有幸碰到表现这两种节奏的构图，他就有了创作优秀照片的绝好机会。
从某种意义上说，交替只是重复的另一种形式，因为交替出现的两个物体连同它们共同的间隔，可以被看做一个复合体。


八、渐变形成的节奏
一种更有特点的节奏来自从始至终的渐变之中；物体的大小、形状、影调、方向甚至含义都在递增或递减，就像音乐里的渐强和渐弱那样。它通过下列这些有生气的变化来吸引观众的注意力。






高低的变化：


九、辐射形成的节奏
请看这幅城市街道的照片。
这样拍下来的照片中，透视体系的消灭点正好靠近画面中心。
请看除了竖线以外，实际上所有线条都是从这个消灭点——沈阳的怀远门变成了趣味中心。无论你的注意力集中在画面的什么部位，总会被拉回到这个中心点上来。
这个中心点本身并不能使照片富有趣味，但它表现了线条辐射出发点和辐射线条所形成的节奏对整个画面的强大控制力。
作者可能是想表达怀远门，但是给我们的印象却是相反。有色友认为这是我国城市建设败笔的典型杰作。片子却让这一失败显得更加登峰造极。完全没有体现出那个楼的魅力，反而被巨大的高楼压在下面。






辐射感不仅仅是用线条构成，也可以由明暗、色彩等构成。



十、中轴线上的辐射
在自然界，从一个中轴线向外辐射的形式很多。中轴线结构具有一种和家族谱系类似的力量。线条从轴线上射出，同时却仍然紧密地控制在轴线上。有时候，它们互相交替地改变着位置。有时候重复辐射。这种辐射在许多植物里能够找到，经常可以看到从一个中轴线上发出的辐射伴随着交替和渐变。



图例是从中轴线上发出辐射的一个例子。可以把地平线看成中轴线，一边是辐射的柱子，一边是阴影的线条。

上边顶棚的中线也可以看作是中轴线。

十一、视觉的动感
节奏有一种运动或流动的特性。通过节奏，观众的注意力从画面上的一个物体被引向另一个物体。像音乐和舞蹈一样，它的运动节奏有的断断续续，有的流畅无阻；有时快，有时慢；有时连绵不断，有时嘎然休止。
所有节奏的运动形式，都是由物体和间隔组成相对固定的图案反复出现而产生的。这些图案一般都是由线条和形状组成的。运用色彩、质感，色调等使它们重复出现，获得微妙动人的动感。
生活中很少有静止的东西。即使一个物体被固定在一个地方，那也可能仍是一个更大的动体的一部分。如果它实际上并不运动，但视觉上可能会感到它在运动，像观看风景一样，因为人在运动，景物也会给人以运动的印象。一个人坐在车上，透过车窗看风景，他会觉得是景物在动，而不是车子在动。
在视觉上，这种反映是很常见的，有时甚至是错觉，如图例中，所有的图形都是静止的，我们却觉得是转动的。

远处的楼是否有种要被推倒的感觉？

运动能对我们产生情绪上的反应。有时候，我们对某种不熟悉的运动所产生的反映能强烈到使人严重发病的程度。而对其它一些运动，则觉得舒服，满意或者感到富于刺激性。作为生活的反映，艺术不可避免地要表现运动。如果需要，题材里如果不包含运动，那么作品结构中也要含蓄地表现动感。


十二、含蓄的运动
电影特有的本领是摄取和表现实际运动。在拍电影时，有无限的运动形式，可供摄影家选用。相机摄影无法记录实际的运动，但它有着表现含蓄运动的巨大能力。它的办法是运用一种带方向性的途径，让观众的眼睛和注意力沿着这个途径而运动。
一幅静止的照片表现运动的最明显的办法是把连续不断的实际运动分阶段照在一张照片上，其中每一阶段代表整个运动的一个静止的片断，我们大家都熟悉用频闪灯光拍的照片，像挥动高尔夫球和棒球棍的瞬间，人们登上阶梯的动作等，都表现了运动。

再看这幅作品，是个击剑的分解动作。
观众的目光从运动的一个阶段移向另一个阶段，便得到一种和实际运动相同的感受。因为观众能从静止的照片中得到参与实际运动，至少像是在观看实际运动那样的感受。
既然同一影象逐渐变化能够产生运动效果，那么，从这样的推理出发，由渐变形成的节奏就能使眼晴和头脑产生同样的反应。

这是济源九里沟的瀑布，我们把水拍成线条不表现它的运动，从上往下看，水在岩石上的起伏形成了不同的节奏感，随着视觉的下移，水的运动就成了我们的注意力。
在由重复和交替形成的节奏中，运动感不那么明显。但它们有一种连续不断的感觉，这就是一种稍有不同的运动感。相似的物体和相似的间隔形成了一种连续性，使我们的眼晴和头脑一段一段地看下去，紧追不舍。所以，运动就控制了注意力，使注意力从一个物体转向另一物体。
眼睛总是倾向于追着人或物运动的方向观察的，甚至追着它们面前的方向去看。一个箭头或一个有指向的手指能把注意力引向指着的方向。同样，任何运动，像人的散步，动物的奔跑，车轮的转动也能使注意力集中在运动的方向上。任何具有强烈方向感的形状都能把人的注意力引向它所指着的方向，这是很难抗拒的。


十三、随意线条中的节奏和动感
仔细观察乱写乱画出来的东西，能学到很多关于节奏的知识。下面这些线条是人们心不在焉时下意识地涂沫出来的。
有些完全没有条理，说明缺乏控制：
有些是模仿流行的绘画形式的：
还有一些是有严格控制的，完全是早年学画时用来造型的那些线条：

对优美流畅的运动有所感受的那些人或参加过这种运动的人，随意画出来的线条可能是格外流畅的。这样的人经常流露出他们内心对类似舞蹈节奏那样的情感反应。这种情况往往出现在舞蹈家、溜冰者，有些演员和音乐家当中。
有时候，它是人们内心活动途径或姿态的表现形式；有时候是内心体验到的节奏活动的视觉表现形式。
当我们看到这些流畅的线条时，目光就要被其中的运动路线所吸引，从而产生情感反应。我们之所以情不自禁地要对它作出反应，是由于它们那样的千姿百态，深深地触动了我们的感情。
节奏能被感觉到，是因为这种线条以不同的方式奇妙地反复着，波浪式地推进着，并且改变着它的方向。
改变着它的速度：
改变着它的式样：

随便把大约两码长的一根绳子或一根线抛在桌面上，看看它所形成的线条。连续这样做几次，观察它形成的曲线和背景空间的形状。不久，你就会被你所看到的节奏所吸引。而且从此以后，当你在其它题材中看到随意线条和形状时，你就能比较敏感地发现其中的节奏。纱线、绳索，铁丝、电线都具有线条特征和质感上的各种变化。

把两股或三股上述物品拧成索状，使每股的粗细、色调和质地各不相同，则可获得动人的类似音乐对位法的动感效果。
把一块丝绸织物抛在桌子上，用斜射的灯光照射，使皱褶投下影子。再注意弯弯曲曲的皱褶怎样构成引人入胜的节奏。
运动的路线不一定要多么复杂。图四三九中的篮子，无论是图形本身还是背景空间的形状都很动人。更重要的是，突出了由轮廓构成的流畅曲线的节奏。
请再看，从骨架的中心向外辐射的线条以及在骨架上编出的同心圆又构成了补充节奏。





十四、随意形状中的节奏和动感
前边我们学习了形状的逐渐变化产生了具有节奏性的动感，欣赏图片中，我们的注意力从一个形状转移到下一个形状。通过连续不断的形状之间的相似而保持了统一性。然而，每个形状又有足够的差异，使人有所期望，才能把这些形状一个接一个地看下去。
在自然环境中，要找到这样均匀渐变的形状是不容易的。在比较一致的群体中，每一个物体都是显著不同的。然而把人的视线沿着一条有动感的路线引导下去的那种感觉还是有的。物体的造型特点和它的总的倾向，诱使我们去看它指出的另一个物体。另一个物体又动员我们去看再下一个。虽然题材中并没有实际的运动，但是，人们会感到有一种力量推动着他们去追随每一个物体的运动方向。
这种现象在图例中很明显。不论我们的目光第一次落在照片的什么部位，它都会被拉到邻近的一个形象上去，然后又拉回来。特别敏感的人会有一种波浪式的起伏的运动感，好象自己在船上扬帆漂游一样。因为现面中的形象具有方向相反的特点，我们的注意点便摆来摆去，直到把画面浏览几遍为止。

在自然界，你不难发现许多题材中都有随意线条和形状，其中都包含着潜在的运动。建议你们去看看：
耕出犁沟的农田、土层；
岩层、石头上的线条、裂缝；




弯曲的道路，特别是立体交叉枢纽；
还有许多如：
飘动的横幅、旗帜、飘带、三角旗；
舞蹈家——独舞和群舞；
水浪，云彩和飞机拖着的雾化尾巴；
乐器。

第十二章 揭开平衡的真象
拍照片的人都有一个共同愿望，就是希望自己的作品能够赢得观众，博得行赞赏。为了提高照片质量，许多人认真地接受了那些自命不凡的“专家”批评。这些所谓专家总是企图用那满腹高深的学识去说服艺术家和愿意听他的人。事实上，那些学识不过是关于平衡的肤浅的空话而已。也许因为平衡看起来非常明确，似乎又是最容易理解的构图原理，所以，它就成了人们评价照片的最常用的依据了。
我们经常看到，当那些自封的批评家告诉有才能的学生说，他们的照片应该如何如何改进才能使它平衡时，这些学生被弄得多么困惑不解！许多容易理解，富于表现力的构图本来具备了情趣、动感和活力，结果被这个倒霉的主意弄成了荒谬呆板的平衡状态。


一、对称平衡
据说儿童在接触艺术的初期，就有一种天生的强烈的要求——从中心垂直地分割画面。当然这只是我们感觉出来的，而不是儿童明白表示出来的。因为他们画面的时候，总是在画面的一侧画出和另一侧对称的图象，就像镜子里照出来的一样。显然，儿童是下意识地满足于房子、花朵、树木、山丘和人物的对称结构，虽然从成年人的现实观点看来，这些画未免显得可笑。
许多成年人也没有超越这个艺术修养的初级阶段。他们在布置房间的时候，让房间的一边和另一边对称而平衡，才觉得舒服。偶尔在别人怂恿下，按照家具的用途或比较随便地安排房间时，他们才会背离绝对对称的原则，但也不会走得太远。

在艺术史的初期阶段，艺术家们所以按照对称的格局构图，有三个原因。第一，因为他们的画是宗教建筑中实用的装饰部分，所以必须遵循整齐和对称的建筑设计要求。第二，因为当时除了特权人物，都没有阅读能力，所以为这画必须传达宗教的和伦理的训示；它们常常是通过象征的形式表达的，因而必须简单明了。第三，大胆的、新的构图观念还没有实验出来和建立起来。无论艺术家还是观众，都要经过漫长的教育过程，才能从简单粗犷走向复杂精巧。

但这并不意味着要贬低对称构图在绘画和摄影中的价值。有些主题，特别是那些庄严、神圣、需要装饰、注意形式的主题，对称是最好的表现形式。需要表现纪律、严谨和稳定的时候，对称布局也是最适当的。其所以如此，一方面是由于它的整齐严肃，另一方面也是由于传统的联想样作用。在政府建筑和宗教场所，经常能遇到需要对称安排的主题。偶而，我们在大自然中也能发现有趣的结构严谨的形状，使人联想到严肃和整齐。
在现代，除非在那些最保守的场合，对称的或严格的平衡已经不常用了。正因为不常用，它的简单明快的特点就特别引人注意，它那直率、庄严、有时是古雅的力量就特别能够吸引人。


二、平衡的传统观念
历来，人们都把天平和跷跷板看作是解释平衡现象的最好的例子。
对称平衡，就是把重量相同的物体放在离中心（支点）距离相等的地方，因而跷跷板能够在水平位置上保持平衡。

跷跷板的透视图表现了对称平衡的一种变化形式。力量似乎是大致相等的，可是支点却移到了画面空间的深处。
图例就体现了这一原理。


三、非对称的平衡
大多数调皮的构图，是由非对称平衡（有时叫不规则平衡或隐性平衡）构成的。假设想象中的垂直中线仍然存在，但在两边不是镜象那样对称，而是在大小、形状、明暗和布局上有着很大的差异。平衡是通过力量均等建立起来的，不管它们是否相似。
把一端的物体，换上两个或两个以上较轻的物体，使它们的总重量仍和原物相等，这时候便产生了非对称平衡。
从视觉表现上说，我们可以在画面中心的一侧安放一个大图形，而在另一侧安放两个或更多的小图形。
这种平衡的变化形式是，让一个较重的物体离支点近些，而较轻的物体离支点远些，这样来使一个较重的物体与一个较轻的物体之间建立平衡。这是一个关于力矩的物理现象，每一边的力量是用物体的重量乘它到支点的距离求出来的。如果乘积相等，便可取得平衡。


在形象处理上，我们还可以让大图形离画面中心近些，而小图形离画面边框近些，这样来取得平衡。
这里就出现了完全不合逻辑的情况。我们在布局实验中已经看到，当若干个形象同处一个画面中时，离画面中心最近的形象通常是最能引人注意的。实际上在图1 中是不平衡的。小图形离中心太远，中心的大图形对视觉的吸引力很大，当小图形离画面边缘很近时，小图形就失去它的吸引力了。
有趣的是，如果我们把小图形干脆拿走，大图形仍能非常好地保持着平衡。（T2）
我们还可以进一步试验，结果证明，对上述原则作相反的处理，倒是更加合理些。(T3)
这是什么原因呢？这说明物理力和视觉力是不能等同看待的，下一节我们就讨论这个问题。




四、物理力和视觉力感
从前边的分析，我们知道，在构图中，如果把物理力和视觉感等同看待，往往会造成错误。
重力作用在物理现象中是有实际影响力的，但在照片里，它除了引起联想以外，不起实际作用。一定体积的木材，其重量比相同体积的铁要轻得多，但是它们的视觉效果可能是相同的。二者之中的任意一种，都能通过画面安排和环境处理而显得更加重要。一根衬托着暗调背景的明亮的羽毛，如果被作为前景安排在靠近画面中心的地方，就能很容易地压倒画面任何部位的满载铁矿石的一列火车。
图四五二可以说是表现了物理力的平衡关系的。我们相信，平衡原理的维护者一定会认为这是一张符合平衡要求的照片，甚至能够用图解的办法标出起平衡作用的各个力点。

如果我们把画幅改变一下，让趣味中心向左或向右移动，画面的平衡状态依然保持不变。但视觉效果却大受影响。试问，现在我们应该说它是平衡呢还是不平衡？
这两张照片所表现的思想稍有不同，然而这种不同只是画面布局和背景空间的不同的结果。根本和平衡无关！
因而，在我们摄影创作过程中，把物理力和视觉力感等同看待是不妥当的，我们的目的是求得视觉平衡，那只有通过视觉力感来确定画面的平衡。。


五、用直觉处理平衡关系
平衡中一个值得注意的问题是，人们总是假定存在着一条想象中的但却无时不有的垂直中轴线，它是起支点作用的。只要让这条中轴线两边的重量相等，就能保持平衡。


我们知道，趣味中心不一定要在画面的实际中心上，照片是根据主体的特征确定自己的结构的，而主体和中心位置很少有关。所以，如果能够看到或感觉到这样一条中轴线的话，那它也不一定就是在画面的中央。
图四五五中趣味中心是放在照片中垂直的视觉中心上的，但它并不靠近画面的垂直中轴线。


照片的内容各不相同，有些照片的轴线是按照对角线或斜轴安排的。有些照片的轴线，是安排在不规则、不完整的线条上，还有一些则安排在进入画面两边的流畅曲线上，甚至有的把画面从水平方向截然分开而没有垂直线。
照片不是油画，无论如何它与文艺复兴早期的纯朴的油画不同。没有理由去死守那些毫无用处的关于平衡的规则和原理，它们对摄影艺术形式毫无意义。
那么，在构图中摄影家究竟应当在什么时候，在多大程度上关心平衡呢？我们的建议是根本不必要过多地考虑这个问题。

如果主题要求平衡，你也认定了要用这种方法加强表现时，那采用这种方式。相反，如果主题本身不是强烈的平衡结构，你也不想用这种方式去表现它，那照片就已经是平衡的了，你也不会觉得有改变它的必要了。如果摄影家建立了某程度的稳定性，或者虽不稳定，但在他看来这是符合他要求采取的表现主题的方式的，对这些他都感到满意，这也就是平衡。

直觉是最可靠的向导。没有必要去揣摸怎样才能影响、集中和吸引注意力。如果画面需要某种形式的调整，你会自动地有所反应，并会根据需要加以取舍。

夸张是一种艺术手段，它能突出地表现艺术家对于主题的感受。大部分优秀照片都是通过这种或那种形式被夸张了的。正像我们所了解的那样，如果对平衡怀有强烈的兴趣的话，实际上就不可能做到有效的夸张。

第十三章 统一
——拍摄意图的单一性

一、画面整体感的统一
学习摄影的初期，人们总是拍摄出这样的照片：
原来的意图是打算把一个景物拍成一张照片，结果看起来象是两张照片了。这个问题在拍摄自然景物时，比如在地平线居中，天空和地面平分秋色的情况下最容易碰到。有时两个部分也不相等，可仍然缺乏整体感和结构上的统一性。同样的问题在有垂直分界线的照片中，也可以见到，只是机会要少一些。

这所公寓楼房左侧尽头处有条白边，看起来正象是两张单独照片的中间分界线。剪裁一下，让公寓楼所占空间狭窄一些能使情况有所改善，但讨厌的分隔现象依然明显存在。

如果画面的透视是倾斜的横线，两部分互相脱离的感觉可大为减少。然而，仍然存在上面的亮区和下面的暗区之间缺少联系的感觉。
问题的关键在于这些构图没有遵循这样的原则：即直线，特别是和边框平行的直线，不能毫不间断地从画面的一边伸向另一边。一旦这种直线的延续性中断，而且某一部分画面的图形伸进另一部分画面，整体感觉牢固地建立起来了。

图例中的一部分画面的图形伸进另一部分画面，画面的整体感觉就牢固地建立起来了。

根据以上的原理，画面中如果有较暗的图象嵌入较亮的区域，同时有较亮的图象嵌入较暗的区域，会产生一种更强的整体感。特意在暗处安排上几个独立的明亮物体，或在亮处安排上几个较暗的物体，统一感还可以进一步增强。

在统一感运用中间，同样也是根据我们的表达意图来决定构图的，不可能必须处处运用高度统一的明暗结构表现画面。

统一性就是拍摄意图的单一性，并通过照片的各个方面来表达这个单一性。摄影家在为照片选择人物或环境时，应该注意保持主题的始终如一，这样才不致偏离中心思想。我们以前讨论的对比、节奏、趣味中心和布局等都是为了获得照片的统一感。
一幅缺乏统一感的照片，其效果正像说话和写文章缺乏统一性一样，往往概念不清，使人不得要领，不能形成视觉概念。本来应该统一起来的各个部分，变得支离破碎，毫无意义。
除了本章前述方法以外，还有很多方法可以加强照片的统一感。虽然各种方法都服务于一个基本目的，但因为每个方法涉及的内容并不相同，所以途径各异。由于画面的结构不尽相同，所以我们这里提出的具体方法只能适用于某一具体的构图。下面所讨论的内容不过是些一般化的指导，目的是帮你打开解决问题的思路。


二、拍摄对象在主题中的统一
取得统一感的一个明显的方法，就是只拍摄和中心思想有关的人和物，尽可能排除和主题没有直接关系或没有直接益处的人和物。
看左图和右图，这是我在平遥拍的两幅作品。抽烟斗的男人在画面中是趣味中心，如何使旁边的几个人和画面成为统一，我就在等他们的视线全聚到这个男人身上时按下了快门，照片的效果也就出来了，左图画面就很散，画面中没有一种关系将他们联到一起。


三、相似形状和相似方向的重复
在第十一章《节奏》中，我们看到相似的形状可以放在一起，成为具有一定间隔的组合。这些组合的重复或延续能产生一种节奏，表现出动感。由于这些组合和节奏的间隔很相似，又由于这种动感趋向于把构图的各个部分结合成一个一致的整体，所以这样的构图显现出统一性。





四、通过组合求统一
我们常常需要拍摄一个由很多单个物体组成的题材。如果把每个物体都拍上去，那么，这张照片势必一团混乱。
要善于删节。就是我们以前讲的第三原则，要简化构图的元素。这种手法不论是为了突出某个内容，还是为了使画面统一都是需要的。突出和统一并不是截然对立的。为了集中研究，可以把拍摄对象适当地组合起来，使每一组合中包含若干个有关的拍摄对象，所以，大部分拍摄对象的个性不得不忍痛放弃。
这样，观众就不会看得眼花缭乱，而可以从容地把注意力集中在少数几个组合上。少数几个组合的吸引力要远远超过众多的拍摄对象。画面一旦有了吸引力，就可以引导观众去观察各组中的个体了。
组合的方式有多种，可以按尺寸大小：按形状异同：按线条的特性：按物体的功能：按共同的兴趣：等等，不要拘拟以形式，只要是为主题服务的，都可以组合到一起。

按线条的特性

按共同的兴趣

按物体的功能


五、统一的多变性
统一感一旦建立起来并且使摄影家感到满意时，任何变化都会把它们打乱。正是这个缔造组合的力量，可能转而产生反效果。原来联系在一起的物体，由于其它物体的介入而失去原有的联系，从而形成新的组合。
请仔细端详图四八四中的两个人。他们坐在长凳的两头，并没有互相靠近，但是，由于他们同坐在一条长凳，由于长凳上的水平线条，由于他们都是形单影只而具体形相似，所以他们又是统一的整体。
如果我们在一个人的身旁加上另一个，统一性便发生了戏剧性的变化。
现在右侧两个人成了一个整体。原来两个人之间的间隔变得十分明显，似乎把两个人隔开了。
在左侧那个人的旁边加上第四个人，原来的统一便彻底打破了。
现在，每一对人之间的距离比原来两人之间的距离小得多，所以新的两对各自统一起来，而原来两人的间隔变成了背景的一部分。





六、通过对比求统一
统一感的获得取决于画面各部分相互之间以及各部分和画面整体之间的关系。我们发现，利用大小的相似和形状的相似能够很容易地建立起这种关系来。每当重复的物体和有区别的物体出现时，我们的眼睛能够迅速察觉一个形象的重复出现，并且能够捕捉随时出现的细微变化。
对立物之间，有时候也是自动地互相联系着的：在科学上，是正和负的关系；在哲学上，是肉体和精神的关系；在艺术上则是明和暗、快乐和抑郁、大和小、上和下等等的关系。其实，从效果上看，这些就是对比关系，这种关系至少和相似关系一样容易理解。白色衬在黑色上，比白衬白、黑衬黑更容易接受。所以对比或差异也是求得统一感的一种有效手段。
要深入研究一个由许多个体组成的主题时，我们可以按照大小、形状、色调和方向来进行组合，找出它们之间的对比关系，并且让各个组合按照对比方式互相衬托。

这张图片就是黒与白的统一，楼梯的拐角打破了六条装饰板的与右边黒色的墙壁间的对立。

大和小


七、通过一体化求统一
一般说来，画面上个体的数目越少，照片的吸引力就越大。如果照片内部互相竞争的个体减少了，照片就能发挥更大的视觉效果，就更能吸引观众的注意。单独一个形象会一下子抓住观众的注意力。再加上一个形象，目光就不能不从第一个转向第二个，然后再回到第一个上去。

个体增加得越多，越需要花时间去分析拍摄意图和形式之间的关系，产生混乱的可能性也就随之增加。
所以，需要通过分组的办法尽量减少单独存在的个体的数目。

像各种事物都存在物极必反的道理一样，把所有个体完全统一在一起又嫌过分了。把所有物体都纳入一个整体，会显得过分的密集，使人很不愉快。因为画面中的物体不是整体化而是拥挤化了，所以必然会显得杂乱不堪。
在拍摄意图和画面效果两个方面，我们必须进行不断的试验和评价，找出最好的解决方案。靠原理不能解决具体问题，原理只能一般地指导我们的思想方法。
需要用多少物体去构成一个单一的单位，怎样搭配组合，以及照片中需要几个这样的单位，这些都是摄影家在力求实现自己意图时必须作出的抉择。在解决方案中，有一部分要取决于主题本身的需要，而大部分则取决于摄影家本人的风格和决心。我们的目的是要成功地体现中心思想，所以背离这个目的的任何做法都可坚决避免。




八、明和暗的统一
我们在研究明和暗的时候曾经注意到，尽管线条结构保持不变，但设计出来的图案却可以千变万化。在有些设计中，整个画面布满了亮调和灰色。这虽然会带来活力，但却显得松散。
在图四九三中，尽管形状很统一，各形状大小的相互关系也合适，但画面总的统一感并不十分强烈，因为明和暗的分布过于零乱。
在图四九四的设计中，使用了同样的线条结构，但若用亮调、暗调和灰色把一些形状联结起来，使图形的总数大大减少，画面会显得更统一，更简洁，更稳定。

色调的连贯性是表现统一感的有力因素。如果求得统一感是首要目的，而且又没有特殊需要必需造成对比，我们就可以让明和暗渐次过渡以实现整体化。如果必需把几个独立的物体拍在一起，而又缺乏适当的线条、形状和节奏可以帮助实现统一的时候，这种方法就尤其有用。
柔和的现场光只是影响照片影调的一个因素。而经过安排的照明，无论是利用自然光还是人造光，都可以改变任何物体的影调，必要时，能使明亮的物体变暗，暗调的物体变亮。摄影家应努力地发掘改变色调的各种机会，以便使构图要素和构图原理有利于表现主题，增强画面的表现力。只有当线条、形状和色调互相密切配合，而且和主体交织在一起，形成一个能表现中心思想的协调的画面时，才能实现美学上的统一性。只有局部烘托整体，整体寓于局部，观众才能立即感受到画面的和谐和完美。只有这样的构图，才算达到了完美和统一。



九、通过流畅线条求统一
流畅的线条始终是达到统一的可靠手段，正像它对于节奏的作用一样。流畅的线条在画面上移动，勾划出毗邻物体的分界线。由于毗邻物体共用同一线条，使这条线成为整体内部每个局部的必然组成部分，因此，这种构图便具有强烈的统一感。

每一个旅行者，或徒步或骑车或乘车，都会意识到，他曾逗留或经过的地方，都因旅行路线之间的联系而存在一种统一的感觉。这种统一感和道路本身曲折的地理方向毫无关系，和毗邻两地的位置也没有关系。这种统一感的联想可能源出于两端的起迄点。
其所以有这种统一感，很大程度上是和沿途的行动路线以及逗留的地点有关。把几个地方联系起来的正是运动本身。
在构图中出现的流畅线条也具有这种效果。观众用目光追踪着弯弯曲曲的线路，同时产生了一种实地运动的感觉。把画面中的各部分相互联系起来，也能产生一种统一感，就好象我们是在各个部分之间实地运动一样。
图四九六表示若干独立的物体被安排在毫不相干的位置上。无论怎样用心观察，我们的眼睛也无法把它们连接成一个有意义的整体。所以，这张照片的构图杂乱无章。
如果我们用细绳，线带或缎带穿过每个点，把它们连成一条流畅的线条，统一感转眼就形成了。

流畅的线条常常互相交叉或者在某点上互相靠近，于是形成了封闭的或半封闭的图形。
在这种情况下，这个图形内的一切内容，不管怎样零乱，都趋于统一。


在以上关于流畅线条的讨论中，我们只涉及了一些容易看出的、有形线条的作用。下文讨论的是通过某些更为微妙的方式，去获得流畅线条的另一种效果。这种效果尽管人人都可感受，却只有构图能手才能充分理解。
这是指从相邻的形状、阴影和间隔的边缘上引起的流畅线条，而不是线绳或缎带那样细长而单一的东西所形成的线条。这种线条可以从一个物体上引出，沿着其它物体的边缘移动，给人的感觉象是一个有组织的，有节奏的运动，这种运动在画面之间延续着，从而把各个物体相互联系起来。
树冠上统一的线条。

明与暗结合，亮部象一长线条。

明与暗结合，红色的屋顶象一长线条。

山、草、云的纹理。


十、背景对统一感的作用
背景的大小对统一感有很大的影响。
从下面的试验中可以看出来：收集若干物品，每一个物品的形状和色调都完全不同，而且它们的作用应毫不相干。把它们摆在一张桌子上，衬上一个简单而色调一致的背景。注意尽可能不要建立什么统一感，避免出现组合，尽量不要重迭。
用取影器观察构图，同时注意在物体外侧的周围留出相当的空间。拍出两张照片。一张紧靠物体剪裁，另一张在物体周围留出相当大的空间作为背景。
注意观察：第一张照片显得散乱，并缺乏统一感。也许需要极大的努力，才能在形状、色调或质地方面找出相似因素，但这样得出的结果只能是一种人为的条理化，而不反映画面各物体之间实际的相互关系。
我们并不想把第二张照片看作成功之作。它原来就缺乏统一感，现在零乱的感觉依然明显如故。但是你会注意到，它给人的零乱感觉要少得多！物体四周有个空间，似乎使物体靠近了。因为这部分空间比任意两个物体之间的空间都大得多，所以这张照片中的物体和第一张比较起来显得要紧凑得多。
这并不意味着要大家把每一张照片的背景都留得很大。这不过是说明了背景空间在改变物体形象方面的作用。如果物体之间的间隔很少而且安排得很紧凑，那么背景可以拍得小一点。这时，那小小的背景区域看起来给每个物体周围加上了更大的“天地”，并且减少了拥挤和密集的感觉。拥挤和过分松散对于构图同样是有害的。
如果物体之间的空间比较大，足以削弱统一感，显得松散的话，那么，背景也可以放大一些。
在构图中，统一感和其它原理密切相关，必须通盘考虑，不可有所偏废。

这样的作品并不是太完美的作品，如果背景再大一点，游泳池的形状将展现的很好，照片也将更完美。

第十四章 结束语
纵观历史，曾有多少艺术家在各方面成绩卓著！唯独他们的摄影作品却难于轰动。很多有才华的作家，尽管学会了写作的各种原理，也应用于写作实践，但却不能创作出堪称文学巨著的任何作品。不少艺术家的某一幅摄影作品确为杰作，而其它作品则不过平平而已。尽管他们既了解各种原理，又能一如既往地付诸实践，但不成功的作品还是屡见不鲜。这是因为，要使好的作品变成杰作，还有一个因素是必不可少的。我们称之为“魅力”。它是一种能达到而很难超越的艺术境界。

一切有成就的摄影家，都对摄影构图的抽象原理和要素有极深的造诣(yi)；他们重视这些原理和要素的研究并善于运用它们。这些要素和原理是使作品具有魅力的可靠手段。一旦摄影家的技术和灵感与主题巧妙地结合起来，必然会出现不寻常的作品，毫无疑问，这样的作品一定是伟大的艺术品，它常常表现出一向无法表现的或被忽视的艺术效果，具有无与伦比的艺术效果。每一个艺术家都有个人的倾向性和所偏爱的构图组合形式。这些会在他的大部分作品中表现出来，成为他的作品标志，并使他的作品具有独树一帜的个人特点。好的作品并不意味着他们的拍摄对象样样绝妙，不过他们有足够的聪明才智和善于汲取精华，剔除糟粕。

有些摄影者错误地认为，由于采用了非写实的拍摄方法，他们便是在自然而然地创造艺术了。事实上不是这样，艺术创作的决不是自然而然的东西。拍出的照片，无论是把明确可辨的事物抽象化，还是把纯粹的几何形状组合起来，都无关紧要。关键的问题是要使抽象的东西转化为人们的感受。在拍摄过程中，如果不能把指导思想放在感染观众这一点上，作品势必会显得死板单调。
艺术是一个复杂的研究课题，它始终反对把这种研究局限在固定程序之内的作法。仅仅把各种形状、线条和质地罗列在一起，即便安排得富于对比和节奏，并不能算是艺术创作。

一位僧人正在佛像面前拨打手机。说明世界是变化着的，随着文明程度的提高，各种观念和生活方式都与时俱进了。
艺术魅力的大小主要取决于拍摄者在创作瞬间对主题感受程度的深浅。不管拍摄内容是具体真实的还是非写实的，使艺术家的灵感受到激发的是拍摄内容的抽象形式。正像诗人寻找词藻去表现他胸中的诗情一样，摄影艺术家总是寻找一定的形式来进行视觉艺术上的表现。他在构图中可以使用夸张的手法，而不要拘泥于原貌，这正是显示了人类能够以独特的形式表现拍摄内容的巨大才能。

=全文完=

终于贴完，看车赛了！




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[ 本帖最后由 rendy 于 2006-10-3 21:01 编辑 ]

为什么看不到图？